Manet Dies - Historia

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En 1883 murió Douard Manet. Fue el principal pintor impresionista francés. Sus obras incluyen "Picnic sobre la hierba".

Édouard Manet - Biografía y legado

Édouard Manet nació en una familia parisina de clase media alta. Su padre, August, era un funcionario dedicado de alto rango y su madre, Eugenie, era hija de un diplomático. Junto con sus dos hermanos menores, Manet creció en un entorno burgués, socialmente conservador y económicamente cómodo. Un estudiante mediocre en el mejor de los casos, se matriculó a los trece años en una clase de dibujo en The Rollin School.

Manet tuvo una pasión por el arte desde una edad temprana, pero aceptó ir a la Academia Naval para apaciguar a su padre. Cuando reprobó el examen de ingreso, se unió a la Marina Mercante para adquirir experiencia como estudiante piloto y viajó a Río de Janeiro en 1849. Regresó a Francia al año siguiente con un portafolio de dibujos y pinturas de su viaje, y lo utilizó para Demuestre su talento y pasión a su padre, que se mostró escéptico ante las ambiciones de Manet.

Entrenamiento temprano

En 1849, Manet tuvo un romance con la profesora de piano de su familia, Suzanne Leenhoff. Este asunto resultó en un niño nacido en 1852, León, que pasó a la familia de Suzanne y, para evitar el escándalo (de la familia aristocrática de Manet), fue presentado a la sociedad como el hermano menor de Suzanne y el ahijado de Manet. Al año siguiente, Manet viajó a Italia, tanto por el arte como por distracción social.

A regañadientes, su padre permitió que Manet persiguiera sus objetivos artísticos. En enero de 1850, fiel a su naturaleza contraria, en lugar de ir a la Ecole des Beaux-Arts para aprender lo que él consideraba modos obsoletos, Manet se unió al estudio de Thomas Couture. Si bien Couture era un pintor académico y un producto del sistema Salon, alentó a sus estudiantes a explorar su propia expresión artística, en lugar de adherirse directamente a las demandas estéticas de la época.

Se formó con Couture durante seis años, finalmente se fue en 1856 y comenzó su propio estudio en la rue Lavoisier. Su capacidad para configurar su propio espacio (aunque fue un esfuerzo conjunto con el pintor Albert de Balleroy) se debió enteramente a su seguridad financiera, que también le permitió vivir su vida y crear arte en su estilo característico. Convertirse en una flaneur de la vida parisina y traducir sus observaciones en sus lienzos fue algo natural para Manet. Su seguridad financiera también le permitió viajar por Holanda, Alemania y Austria, y visitar Italia en varias ocasiones. Conoció a Edgar Degas y Henri Fantin-Latour; ambos se convertirían en amistades importantes para toda la vida.

Período de madurez

Amigo del poeta Charles Baudelaire y del artista Gustave Courbet, Manet se movió entre otros pensadores progresistas que creían que el arte debería representar la vida moderna, no la historia o la mitología. Este fue un cambio artístico tumultuoso que enfrentó el status quo del Salón con artistas de vanguardia que sufrieron enormemente a manos del público conservador y críticos viciosos. Manet fue el foco de varias de estas controversias y el Salón de 1863 rechazó sus pinturas. Manet y otros protestaron y el Emperador cedió poniendo todas las obras rechazadas en el Salon des Refuses secundario, para que el público pudiera ver lo que se había considerado indigno.

El impactante Le Dejeuner sur l'Herbe (1863) fue objeto de la mayoría de las críticas por varias razones. Las alusiones al Renacimiento no tenían sentido para los espectadores, pero lo que sí entendieron fue la desnudez desvergonzada y realista de una mujer, probablemente una prostituta, mirándolos desde el lienzo. Las críticas incluyeron comentarios de que la pintura era "vulgar", "inmodesta" y "poco artística", comentarios que angustiaron profundamente a Manet y probablemente le provocaron un grave ataque de depresión.

Ser incluido en el Salon des Refuses habría afectado el ego y la reputación personal de Manet. Sus instintos rebeldes lo alentaron a querer cambiar el sistema de exclusión bajo el cual operaban las instituciones, es decir, el Salón y la Escuela de Bellas Artes, pero no quería que se eliminaran. Firme en su origen de clase media alta, Manet estaba incrustado con ciertos ideales de logro y deseaba tener éxito en el Salón, solo en sus términos, no en los de ellos. El resultado fue la creación de un revolucionario involuntario y, posiblemente, el primer artista moderno.

Más controversias continuaron en el año siguiente cuando produjo Olimpia (1863), que contó con otro desnudo de su modelo favorita, Victorine Meurent. Manet afirmó ver la verdad en su rostro, mientras pintaba todo su cuerpo para que el mundo lo viera. Esto resultó ser demasiado conflictivo e inaceptable para el público parisino cuando fue visto en el Salón de 1865. Le escribió a su amigo cercano Baudelaire: "Están lloviendo insultos sobre mí, nunca me habían llevado a un baile así".

Después de la muerte del padre de Manet en 1862, él y Suzanne se casaron para legitimar su relación, aunque es posible que su hijo Leon nunca haya conocido su verdadera ascendencia. La madre de Manet probablemente había ayudado a los dos a conspirar para mantener el secreto del padre de Manet, ya que él no habría tolerado la desgracia de un hijo ilegítimo en la familia. También se ha especulado que Leon era en realidad el hijo del padre de Manet, pero esto es extremadamente improbable.

En 1864, Manet vivía en la rue des Batignolles, y a partir de 1866 comenzó a ser corte todos los jueves en el Café Guerbois, con gente como Henri Fantin-Latour, Edgar Degas, Emile Zola, Nadar, Camille Pissarro, Paul Cézanne, y , en 1868, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir y Alfred Sisley. Las reuniones de lo que Zola denominó "el Grupo Batignolles" fueron una mezcla de personalidades, actitudes y clases, todos unidos como artistas de vanguardia e independencia para forjar los principios de sus nuevos estilos artísticos. Con la reunión de tales mentes y talentos de manera regular, hubo un gran grado de influencia mutua y tal mezcla de ideas que se podría decir que todos se influenciaron entre sí. Sin embargo, Manet fue uno de los primeros líderes con su realismo de vanguardia, junto con Monet y Renoir, quienes finalmente emergieron como líderes de lo que se llamaría Impresionismo.

El Salón de 1866 rechazó sus piezas El Fifer (1866) y El actor trágico (1866). En respuesta, Manet realizó una exposición pública en su propio estudio. En apoyo de este movimiento de vanguardia, Zola escribió un ensayo sobre Manet en L'Evenement, por lo que fue despedido. Al año siguiente, Manet fue excluido del Paris Exposición Universal, y decidió no presentar nada al Salón y en su lugar montó una carpa cerca de la de Courbet para exhibir su obra fuera de la Exposición, donde nuevamente fue criticado duramente.

Habiendo pintado una compañía de artistas españoles en 1861, Manet se había interesado por la cultura española, y después de visitar España en 1865 se vio afectado por las obras de Diego Velázquez y Francisco Goya. Esto se expresó tanto en su estilo como en su tema. Como republicano acérrimo, Manet estaba descontento con el gobierno de Napoleón III. En la pintura La ejecución del emperador Maximiliano (1867), que en composición hizo un guiño a Goya, implicó al gobierno francés en la trágica muerte de Maximiliano en México. Esta obra se consideró demasiado polémica políticamente y se prohibió su exhibición.

Otro encuentro importante fue en 1868, cuando Henri Fantin-Latour presentó a Manet a las hermanas Morisot. La relación de Manet con la pintora Berthe Morisot fue, en el mejor de los casos, tensa. Ella se convirtió en su alumna, la respetaba como pintora, e incluso tuvo su modelo para él en múltiples ocasiones. Si bien hubo un enamoramiento mutuo de varios años, una verdadera aventura era imposible (ambos eran de familias adecuadas, Manet estaba casado y Morisot solo lo vio con un acompañante). En una ocasión, Manet pintó y también enseñó a la joven Eva Gonzales; Morisot se sintió profundamente herido cuando se enteró. En última instancia, para evitar disturbios domésticos, Morisot se casó con el hermano menor de Manet, Eugene (quien ciertamente no era la estrella carismática que era Manet). Esto terminó efectivamente con su relación personal, ya que Morisot nunca volvió a posar para él, pero nunca dejó de ser la mayor defensora de Manet.

De Fantin-Latour Un estudio en Batignolles (1870), que representa una reunión de Monet, Zola, Bazille y Renoir, entre otros, todos admirando a Manet mientras pinta en su propio estudio, demuestra la importancia de Manet para el mundo del arte moderno. Sin embargo, mientras algunos de sus amigos, como Monet, fueron a Londres para escapar de la guerra franco-prusiana, Manet se unió a la Guardia Nacional. Los acontecimientos políticos de los años siguientes obligaron a Manet a permanecer fuera de París, regresando sólo brevemente durante la represión de Versalles. Más tarde se vio obligado a abandonar su estudio destruido y establecerse en la rue de Saint-Petersbourg en 1872.

Manet enfureció al Salón una vez más en 1875, con su sumisión Argenteuil (1874), que mostró una paleta más clara y la influencia del impresionismo de Monet. Con Argentueil, Manet envió al Salón lo que era esencialmente un manifiesto del estilo emergente, destinado a quienes no habían asistido a la exposición seminal del grupo en 1874.

En 1876, el Salón rechazó varias de sus obras, por lo que Manet respondió presentando otra exposición en su propio estudio, que atrajo a más de 4.000 visitantes. Y aunque muchos en la prensa afirmaron que el rechazo del Salón fue injusto, él continuó siendo condenado al ostracismo, con una posterior negación en 1877. Negándose a presentarse al Salón de 1878 o a realizar su propia exposición, Manet no mostró nada ese año y en su lugar cambió de estudio. . Coincidentemente, ese mismo año la mala salud comenzó a afectar su vida diaria.

Periodo tardío

Después de tomarse un tiempo fuera de París para ayudar a su salud en declive, en el Salón de 1880 Manet recibió una medalla de segundo lugar, otorgándole un pase para la competencia futura y la oportunidad de convertirse en expositor permanente en todos los salones futuros. Entre otros reconocimientos, Manet fue galardonado con la Legión de Honor en 1881. Continuando su vida como el flaneur, Manet registró los cambios modernos en las calles de París y la vida de sus habitantes. Los cafés conciertos fueron un gran símbolo de estos cambios: un lugar donde hombres y mujeres de diferentes niveles de la sociedad podían mezclarse, disfrutar de la compañía, las bebidas y el entretenimiento. Ambientado en su concierto de café favorito, creó una de sus obras más elogiadas, Un bar en el Folies-Bergere (1881-82).

Manet siguió pintando retratos de mujeres, naturalezas muertas, paisajes y flores, incluso desde su lecho de enfermo (no pudo visitar su estudio en los últimos meses de su vida). Sucumbiendo a un trastorno nervioso, probablemente por sífilis terciaria, Manet murió de una muerte horrible después de haber sido reducido a una silla de ruedas por la gangrena e incluso haber perdido la pierna. Tenía solo 51 años. En su testamento, dejó su propiedad a Suzanne y la obligó a dejarle todo a Leon tras su muerte, lo que, a todos los efectos prácticos, confirma a Leon como el hijo y heredero de Manet.

El legado de Édouard Manet

Después de su muerte, la esposa y los amigos de Manet trabajaron para asegurar su memoria y legado, a través de ventas extraordinarias de sus pinturas, adquisiciones por parte del gobierno francés y la publicación de varias biografías. Considerado por muchos historiadores del arte como el padre del arte moderno, la influencia de Manet en el modernismo es inconmensurable. Si bien la grandeza y el escándalo caracterizaron su vida profesional, su deseo de respetabilidad finalmente dictó su vida privada. A pesar de su carrera relativamente corta, que abarca poco más de dos décadas, sus obras se encuentran en la mayoría de los principales museos y galerías internacionales.

Lo resume mejor el escritor del siglo XIX Edmond de Goncourt "Con Manet, cuyas técnicas se levantan de Goya, con Manet y todos los pintores que le han seguido, lo que tenemos es la muerte del óleo, es decir, de pintura con una bonita transparencia cristalina, ambarina, de la que Rubens Mujer con sombrero de paja es el epítome. Ahora tenemos pintura opaca, pintura mate, pintura calcárea, pintura con todas las características de la pintura para muebles. Y todo el mundo lo hace así, desde Raffaelli hasta el último pequeño pintor impresionista ".


2. Lady Almeria Braddock y Sra. Elphinstone (1792)

Cierta Sra. Elphinstone no esperaba más que una taza de té cuando hizo una visita social a la casa de Lady Almeria Braddock & # x2019s en Londres en 1792. Pero la visita se desvió hacia un territorio decididamente poco femenino cuando la anfitriona, evidentemente enfurecida por un comentario casual, la Sra. Elphinstone hizo más o menos su edad, desafió a su invitada a un duelo en Hyde Park. Según los informes, la Sra. Elphinstone disparó su pistola primero, derribando al suelo a Lady Braddock & # x2019s hat. Luego, las mujeres tomaron espadas y Lady Braddock se vengó hiriendo a su oponente en el brazo. El & # x201CPetticoat Duel, & # x201D, como llegó a conocerse, terminó sin más incidentes cuando la Sra. Elphinstone acordó escribir una carta de disculpa.


Biografía de Édouard Manet

Édouard Manet nació en una familia parisina de clase media alta. Su padre, August, era un funcionario dedicado de alto rango y su madre, Eugenie, era hija de un diplomático. Junto con sus dos hermanos menores, Manet creció en un entorno burgués, socialmente conservador y económicamente cómodo. Un estudiante mediocre en el mejor de los casos, se matriculó a los trece años en una clase de dibujo en The Rollin School.


Muere el hombre llamado el asesino en serie más prolífico de la historia de Estados Unidos

LOS ÁNGELES - El hombre que según las autoridades fue el asesino en serie más prolífico en la historia de Estados Unidos, con casi 60 víctimas confirmadas, murió el miércoles en California. Tenía 80 años.

Samuel Little, que tenía diabetes, problemas cardíacos y otras dolencias, murió en un hospital de California, según el Departamento de Correcciones y Rehabilitación del estado. Estaba cumpliendo cadena perpetua por múltiples cargos de asesinato.

La portavoz del Departamento de Correcciones de California, Vicky Waters, dijo que no había señales de juego sucio y que un forense determinará la causa de su muerte.

Un criminal de carrera que había estado entrando y saliendo de la cárcel durante décadas, Little negó durante años que alguna vez hubiera matado a alguien.

Luego, en 2018, se abrió con el Texas Ranger James Holland, a quien le habían pedido que lo interrogara sobre un asesinato que resultó que Little no cometió. Sin embargo, durante aproximadamente 700 horas de entrevistas, Little proporcionó detalles de decenas de asesinatos que solo el asesino sabría.

Un artista hábil, incluso le proporcionó a Holland docenas de pinturas y dibujos de sus víctimas, a veces garabateando sus nombres cuando podía recordarlos, así como detalles como el año y el lugar del asesinato y dónde había arrojado el cuerpo.

En el momento de su muerte, Little había confesado haber matado a 93 personas entre 1970 y 2005. La mayoría de los asesinatos tuvieron lugar en Florida y el sur de California.

Las autoridades, que continúan investigando sus afirmaciones, dijeron que han confirmado casi 60 asesinatos y no tienen motivos para dudar de los demás.

"Nada de lo que ha dicho nunca ha demostrado ser incorrecto o falso", dijo Holland a la revista de noticias CBS "60 Minutes" en 2019.

Los números eclipsan a los del asesino de Green River Gary Ridgway (49), John Wayne Gacy (33) y Ted Bundy (36).

Casi todas las víctimas de Little eran mujeres, muchas de ellas prostitutas, drogadictas o personas pobres que vivían al margen de la sociedad. Eran individuos, dijo que creía, que dejarían a pocas personas atrás para buscarlos y pocas pruebas para que la policía los siguiera.

De hecho, las autoridades locales de los estados de todo el país inicialmente clasificaron muchas de las muertes como accidentes, sobredosis de drogas o el resultado de causas desconocidas.

Little estranguló a la mayoría de sus víctimas, generalmente poco después de conocerlas durante encuentros casuales. Ahogó a una, una mujer que conoció en un club nocturno en 1982.

Tenía casi 80 años, tenía problemas de salud y estaba cumpliendo cadena perpetua en una prisión de California cuando comenzó a confiar en Holland en mayo de 2018, después de años de negarse a hablar con otras autoridades. Una vez fue un boxeador fuerte y fornido que usó sus poderosas manos para estrangular a sus víctimas, ahora usaba una silla de ruedas para moverse.

Holland ha descrito a Little como un genio y un sociópata, y agregó que el asesino nunca pudo explicarle adecuadamente por qué hizo lo que hizo. Aunque conocido como un interrogador experto, el propio Holland dijo que solo podía adivinar por qué Little se abrió con él.

El guardabosques trabajó incansablemente para crear y mantener un vínculo con el asesino durante sus cientos de horas de entrevistas, llevándole bocadillos favoritos como pizza, Dr. Pepper y sémola y discutiendo su interés mutuo en los deportes. También le aseguró a Little que no sería ejecutado.

Holland se dirigía a Little por su apodo de infancia, Sammy, mientras que Little llamaba a Holland Jimmy y una vez le dijo al Los Angeles Times que había "encontrado un amigo en un guardabosques de Texas".

Le dijo a "60 Minutes" que esperaba que sus confesiones pudieran exonerar a cualquiera condenado injustamente por sus crímenes.

“Yo digo que si puedo ayudar a sacar a alguien de la cárcel, ya sabes, entonces Dios podría sonreírme un poco más”, dijo.

Un transeúnte que viajó por el país cuando no estaba en la cárcel por hurto, asalto, drogas u otros delitos, Little dijo que comenzó a matar en Miami en la víspera de Año Nuevo de 1970.

"Era como las drogas", le dijo a Holland. "Me llegó a gustar".

Su último asesinato fue en 2005, dijo, en Tupelo, Mississippi. También mató a personas en Tennessee, Texas, Ohio, Kentucky, Nevada, Arkansas y otros estados.

Las autoridades de Kentucky finalmente lo alcanzaron en 2012 después de que fue arrestado por cargos de drogas y su ADN lo vinculó con tres asesinatos en California.

Cuando comenzó a relatar los otros asesinatos, las autoridades se asombraron de lo mucho que recordaba. Sus pinturas, dijeron, indicaban que tenía memoria fotográfica.

Un asesinato se resolvió después de que Little recordara que la víctima llevaba dentadura postiza. Otro después de que le dijo a Holland que había matado a la víctima cerca de un conjunto de arcos de aspecto inusual en Florida. Una víctima que conoció fuera de un club de striptease de Miami en 1984 fue recordada como de 25 años con cabello rubio corto, ojos azules y una "mirada hippie".

Mientras seguía hablando, las autoridades de todo el país se apresuraron a investigar casos antiguos, localizar a familiares y poner fin a las familias.

Little reveló pocos detalles sobre su propia vida, aparte de que fue criado en Lorain, Ohio, por su abuela. Las autoridades dijeron que a menudo se llamaba Samuel McDowell.

Estuvo casado una vez, dijo Little, y estuvo involucrado en dos relaciones a largo plazo.

Afirmó que desarrolló un fetiche por los cuellos de las mujeres después de excitarse sexualmente cuando vio a su maestra de jardín de infantes tocar su cuello. Siempre fue cuidadoso, agregó, para evitar mirar el cuello de su esposa o novias y nunca lastimar a nadie que amaba.

"No creo que haya otra persona que haya hecho lo que me gustaba hacer", dijo a "60 Minutes". “Creo que soy el único en el mundo. Y eso no es un honor, es una maldición ".

El escritor de Associated Press Don Thompson contribuyó desde Sacramento.

Esta historia se ha corregido para mostrar que el apellido de Gary Ridgway estaba mal escrito Ridgeway.


Carrera temprana

A los 18 años, Manet comenzó a estudiar con Thomas Couture, aprendiendo los conceptos básicos de dibujo y pintura. Durante varios años, Manet se escabulló al Louvre y se sentaría durante horas copiando las obras de los viejos maestros. De 1853 a 1856, viajó por Italia, Alemania y Holanda para admirar la brillantez de varios pintores admirados, en particular Frans Hals, Diego Vel & # xE1zquez y Francisco Jos & # xE9 de Goya.

Después de seis años como estudiante, Manet finalmente abrió su propio estudio. Su pintura "El bebedor de absenta" es un buen ejemplo de sus primeros intentos de realismo, el estilo más popular de la época. A pesar de su éxito con el realismo, Manet comenzó a tener un estilo más suelto e impresionista. Utilizando pinceladas amplias, eligió como sujetos a personas comunes que se dedican a las tareas cotidianas. Sus lienzos estaban poblados de cantantes, callejeros, gitanos y mendigos. Este enfoque poco convencional combinado con un conocimiento maduro de los viejos maestros sorprendió a algunos e impresionó a otros.

Para su pintura "Concierto en los jardines de las Tullerías", a veces llamado "Música en las Tullerías", Manet colocó su caballete al aire libre y permaneció de pie durante horas mientras componía una multitud elegante de habitantes de la ciudad. Cuando mostró la pintura, algunos pensaron que estaba inacabada, mientras que otros entendieron lo que estaba tratando de transmitir. Quizás su pintura más famosa sea "El almuerzo sobre la hierba", que completó y expuso en 1863. La escena de dos jóvenes vestidos y sentados junto a un desnudo femenino alarmó a varios miembros del jurado que hacían selecciones para el Salón de París anual, el exposición organizada por la Acad & # xE9mie des Beaux-Arts de París. Debido a su indecencia percibida, se negaron a mostrarlo. Sin embargo, Manet no estaba solo, ya que ese año se negó la entrada a más de 4.000 pinturas. En respuesta, Napoleón III estableció el Salon des Refus & # xE9s para exhibir algunas de esas obras rechazadas, incluida la presentación de Manet & # x2019s.

Durante este tiempo, Manet se casó con una mujer holandesa llamada Suzanne Leenhoff. Ella había sido tutora de piano de Manet & # x2019 cuando él era un niño, y algunos creen, por un tiempo, también de Manet & # x2019s father & # x2019s mistress. Para cuando ella y Manet se casaron oficialmente, habían estado involucrados durante casi 10 años y tenían un hijo pequeño llamado Leon Keoella Leenhoff. El niño posó para su padre para la pintura de 1861 "Niño llevando una espada" y como tema menor en "El balcón". Suzanne fue modelo para varias pinturas, incluida "La lectura".


¿Cuál es la diferencia entre Manet y Monet?

Izquierda: Señorita en 1866, 1866, Édouard Manet. Óleo sobre lienzo, 72 7/8 x 50 5/8 pulg. The Metropolitan Museum of Art, 89.21.3. Derecha: Mujer con sombrilla, 1875, Claude Monet. Óleo sobre lienzo, 39 3/8 x 31 7/8 pulg. The National Gallery of Art, 1983.1.29.

Édouard Manet y Claude Monet son dos de los artistas franceses más conocidos del siglo XIX. Sus nombres son fácilmente reconocibles, pero también se confunden fácilmente. Un simple desliz entre vocales puede convertir una impresionante anécdota del mundo del arte en un caos y confusión. Debido a esto, nos sentamos con los dos curadores de Getty detrás de la exposición actual de Manet para aclarar las diferencias entre los pintores.

¿Quién es Édouard Manet?

Detalle de Édouard Manet, 1875, Charles Reutlinger. Woodburytype, 4 3/4 x 3 1/4 pulg. Museo J. Paul Getty, 84.XB.300.17. Imagen digital cortesía del programa de contenido abierto de Getty

Manet es un artista francés que vivió de 1832 a 1883 y es célebre como padre del arte moderno, porque rompió dramáticamente con la tradición académica, rompiendo las categorías de pintura convencional, como historia, retrato, paisaje y naturaleza muerta. En cambio, se centró en los temas del mundo real de la vida moderna. Sin interés en el acabado pulido y los detalles minuciosos, Manet enfatizó el material inherente y las cualidades visuales de la pintura. Puede reconocer estos temas modernos en obras de Manet como Luncheon on the Grass, Olympia y A Bar at the Folies-Bergère.

Manet murió a los 51 años y, aunque se hizo muy conocido durante su vida, no produjo una gran cantidad de pinturas. Sin embargo, las obras que creó se pueden ver en algunos de los museos más prestigiosos del mundo, como el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y el Musée d'Orsay de París.

Ha sido citado como inspiración para movimientos artísticos posteriores como el impresionismo, el cubismo y la abstracción en general.

¿Quién es Claude Monet?

Foto de Claude Monet por Nadar, 1899. Foto: Wikimedia Commons.

Monet también es francés, pero perteneció a una generación de artistas un poco más joven (nació en 1840). Monet, como sus contemporáneos, fue un impresionista, inspirado por el arte rebelde de Manet.

Monet era un maestro en la captura del color, volviendo a menudo al mismo tema una y otra vez. Trabajó para comunicar todos los matices de la luz. Muchas de las obras más famosas de Monet provienen de series que pintó en las últimas tres décadas de su vida, y fue más prolífico que Manet. Es más probable que vea un Monet reconocible en un museo hoy porque simplemente hay más Monet por ahí. Los entusiastas del arte pueden conocer los montones de trigo, los nenúfares o las pinturas de la catedral de Monet.

En el sentido de las agujas del reloj: pilas de trigo, efecto nieve, mañana, 1891, Claude Monet. Óleo sobre lienzo, 25 1/2 x 39 1/2 pulg. Museo J. Paul Getty, 95.PA.63. Pilas de trigo (finales de verano), 1890-1891, Claude Monet. Óleo sobre lienzo, 23 5/8 × 39 9/16 pulg. Art Institute of Chicago, 1985.1103. Pilas de trigo (puesta de sol, efecto nieve), 1890-1891, Claude Monet. Óleo sobre lienzo, 25 11/16 × 39 1/2 pulg. Art Institute of Chicago, 1922.43. Pila de trigo, 1890-1891, Claude Monet. Óleo sobre lienzo, 25 15/16 × 36 3/8 pulg. Art Institute of Chicago, 1983.

¿Cuál es el impresionista?

El impresionismo es un movimiento artístico de finales del siglo XIX que llevó algunas de las ideas de Manet a otro nivel. Los artistas estaban interesados ​​en capturar rápidamente momentos fugaces de la vida moderna. Esto llevó a muchos artistas a sacar sus lienzos fuera del estudio para capturar bailarines, escenas de cafés, amaneceres y atardeceres. Hoy en día, el impresionismo ha tenido tal impacto que vemos su influencia en el arte y la cultura visual hasta el punto de que ni siquiera lo notamos, pero este trabajo fue radicalmente diferente y revolucionario en el París del siglo XIX.

A pesar de ser una gran influencia en el movimiento, Manet no era un impresionista. Su trabajo siempre está en diálogo con la historia del arte, con la tradición, con el arte del museo, dice el curador Scott Allan. Agrega, “la modernidad y la tradición están siempre en confrontación. De ahí proviene gran parte de la tensión en el arte de Manet ".

Monet, por otro lado, es un verdadero impresionista. De hecho, el término proviene de una pintura de Monet titulada Impresión, amanecer. El grupo llamado Impresionistas también incluía a Edgar Degas, Berthe Morisot, Pierre-Auguste Renoir y Paul Cézanne. Con frecuencia exhibieron sus pinturas juntos.

Independientemente de la influencia, Manet nunca expuso con Monet y este grupo de impresionistas, y técnicamente no es un impresionista.

¿Cuánto tiempo han estado confundidos?

La confusión de Manet y Monet se remonta a 1865, cuando ambos artistas fueron incluidos en el mismo Salón. El Salón era una gran exposición que se celebraba una vez al año en París, donde los artistas mostraban sus dos mejores obras de arte para ser juzgados por los críticos de arte y el público.

La exposición del Salón de 1865 se colgó en orden alfabético. Las obras de arte de los dos pintores se colocaron una al lado de la otra, y siguió más de un siglo de confusión. Ese año Monet exhibió dos paisajes, que en general fueron recibidos positivamente.

Junto a Monet, sin embargo, colgó el ahora infame de Manet Olimpia, que mostraba a una prostituta contemporánea, una sirvienta antillana y un gato negro silbando con la espalda arqueada y la cola hacia arriba. La pintura causó instantáneamente un escándalo, ayudó a lanzar el arte moderno tal como lo conocemos y, hasta el día de hoy, se encuentra entre las obras de arte más reconocidas de Manet.

La proximidad de las pinturas de los dos artistas y sus nombres similares generó cierta confusión, lo que provocó que Manet fuera felicitado accidentalmente por las pinturas de mar y paisajes de Monet. Se desató una competitividad amistosa entre los dos artistas que continuó a lo largo de sus carreras.

¿Cómo puedes distinguir sus pinturas?

Si bien Manet seguramente influyó en la obra de Monet, también sucedió lo contrario. A continuación, se ofrecen algunos consejos para detectar las diferencias entre los artistas.

Estudio v. Al aire libre

Manet trabajó principalmente en un estudio y orquestó meticulosamente muchas de sus pinturas, a menudo raspando pintura y rehaciendo una pintura completa si no estaba contento con ella.

Monet, como muchos otros impresionistas, era conocido por dejar las cuatro paredes de un estudio y llevar su lienzo al aire libre, conocido como pintura al aire libre.

Personas contra paisajes

Izquierda: Retrato de Madame Brunet, alrededor de 1861–1863, Édouard Manet. Óleo sobre lienzo, 52 1/8 × 39 3/8 pulg. Museo J. Paul Getty, 2011.53. Derecha: Detalle del portal de la catedral de Rouen en Morning Light, 1894, Claude Monet. Óleo sobre lienzo, 39 1/2 x 25 5/8 pulg. J. Paul Getty, 2001.33.

El trabajo de Manet a menudo presenta a personas, a menudo con contornos duros y contrastes abruptos de luces y sombras que ayudan a esculpir a sus sujetos.

Monet suele pintar paisajes y paisajes marinos, con breves pinceladas de pintura que se utilizan para disolver formas sólidas en un brillo de luz y color.

Pinceladas y color

Izquierda: Detalle de paseos en bote, 1874, Edouard Manet. Óleo sobre lienzo, 38 1/4 x 51 1/4 pulg. The Metropolitan Museum of Art, 29.100.115. Derecha: Detalle de las Casas del Parlamento, Sunset, 1903, Claude Monet. Óleo sobre lienzo, 32 x 36 7/16 pulg. The National Gallery of Art, 1963.10.48

Mire los dos ejemplos de cómo los artistas capturaron el agua. A la izquierda, Manet usa trazos largos del mismo color en diferentes tonos, mezclando cantidades variables de blanco para sugerir ondas en la superficie.

A la derecha, Monet usa pinceladas “desordenadas”. También era un maestro de la luz y el color, por lo que sus trabajos exploran la teoría del color capturando el mismo tema repetidamente con diferente iluminación. El agua se compone no solo de azules, sino también de naranjas, amarillos y rosas complementarios.

Un amanecer de Monet encapsula todos los matices que ofrece la luz, incluidos los naranjas cálidos y los azules vibrantes de todos los tonos. Se sabe que el trabajo de Monet deja una impresión más impactante que una fotografía.

¿Sigo confundido?

Cuando todo lo demás falla, busque su firma.

Detalle de Jeanne (primavera), 1881, Édouard Manet. Óleo sobre lienzo, 29 1/8 × 20 1/4 pulg. Museo J. Paul Getty, 2014.62

Detalle del Portal de la Catedral de Rouen en Morning Light, 1894, Claude Monet. Óleo sobre lienzo, 39 1/2 x 25 5/8 pulg. J. Paul Getty, 2001.33.

Las obras de Manet y Monet siempre están a la vista en el Getty. Para ver el final de la carrera de Manet, visite Manet y la belleza moderna gratis en el Getty Center hasta el 12 de enero de 2020.


¿Cómo se hacen los troqueles de monedas? Una pequeña historia.

Todas las monedas acuñadas en los Estados Unidos se acuñan con un par de troqueles. Un dado es una barra de acero con una cara del mismo tamaño que las monedas que golpeará. Esta varilla de acero contendrá el diseño de una cara de la moneda. Se necesitan dos de estas varillas de acero (matrices) para golpear monedas. Uno tendrá el diseño del anverso (anverso de la moneda) y el otro tendrá el diseño del reverso (reverso de la moneda).

Los troqueles se instalan en una máquina llamada prensa de acuñación de modo que un planchet (blanco) se interponga entre ellos. En las prensas de acuñación más antiguas, un dado se colocaba encima del otro. El troquel superior (troquel de martillo) bajaba con gran fuerza y ​​golpeaba la plancha mientras descansaba sobre el troquel inferior (troquel de yunque). La fuerza del martillo golpeando la plancha en el yunque colocaría las imágenes de las matrices en la plancha y el resultado sería una moneda tal como la conocemos. En las prensas de acuñación más nuevas, la acción del troquel del martillo ahora es de lado a lado en lugar de hacia arriba y hacia abajo, pero el proceso sigue siendo esencialmente el mismo, como es el resultado.

La realidad es que las variedades de troqueles que disfrutamos recolectando, que incluyen troqueles duplicados, marcas de ceca repunchadas (RPM), marcas de ceca superiores (OMM), dátiles repunchados (RPD), fechas vencidas, (OVD) y fechas extraviadas (MPD), son el resultado de contratiempos que se producen en el proceso de fabricación de los troqueles que golpean las monedas. Un conocimiento práctico del proceso de fabricación de matrices nos ayudará a ver cómo resultaron las diversas variedades de matrices a lo largo de los años. La tecnología para fabricar troqueles de monedas estadounidenses ha evolucionado significativamente a lo largo de los años. Debido a estos avances tecnológicos, la mayoría de las variedades de troquel que disfrutamos recolectando nunca se volverán a producir. La única variedad de dado que la Casa de la Moneda ha tenido dificultades para eliminar es el dado doble, y hablaremos más de eso más adelante.

En los primeros días en la Casa de la Moneda de EE. UU., Aproximadamente desde 1792 hasta 1836, un Maestro morir para un año y denominación determinados fue producido por un grabador de ceca que talló el diseño central de una moneda directamente en la cara del dado maestro. Los elementos de diseño alrededor del borde de la moneda, como los lemas, las estrellas y la fecha, no se grabaron en el dado maestro. El diseño tallado se cortó de la cara del dado maestro de modo que quedó empotrado (incuso) en la cara del dado.

Este dado maestro no se usa para golpear monedas. Debido a la cantidad de monedas para una denominación determinada que deben acuñarse en un año determinado, no era factible utilizar estos troqueles grabados a mano para realmente acuñar monedas. Usando la moneda moderna como ejemplo, en 1996 la Casa de la Moneda de Filadelfia produjo alrededor de 6,6 mil millones de centavos de Lincoln. La vida media de un centavo de Lincoln es de aproximadamente 1 millón de monedas. Algunas matemáticas simples nos dirán que en 1996 la Casa de la Moneda de Filadelfia por sí sola habría necesitado alrededor de 6.600 centavos de Lincoln muere para alcanzar los centavos de Lincoln producidos ese año. Por supuesto, en los primeros días de la Casa de la Moneda que estamos examinando aquí, las acuñaciones anuales eran mucho menores que las acuñaciones modernas. Sin embargo, la vida útil de un troquel también era mucho menor que la de los troqueles modernos, por lo que todavía era muy poco práctico grabar a mano los troqueles que golpearían las monedas.

En lugar de ser golpeado por el maestro muere, las monedas son golpeadas por Matrices de trabajo. La matriz maestra se utiliza como herramienta a partir de la cual se producirían finalmente las matrices de trabajo. Cuando el grabador terminó de tallar el diseño central en la matriz maestra, la matriz maestra se llevó a una máquina conocida como prensa de maza. En la prensa hubbing, la matriz maestra se colocó sobre una varilla de acero en blanco. Con gran presión, se bajó la cara del muñón maestro y se apretó contra la varilla de acero, dejando la impresión de la imagen en el muñón maestro en la cara de la varilla de acero. La varilla de acero en blanco tiene una cara en forma de cono para permitir un flujo de metal más fácil hacia las áreas rebajadas de la matriz cuando se aplica la presión de la prensa de cubo. La nueva varilla de acero se conoce como Centro de trabajo y ahora tiene las imágenes del diseño en relieve (en relieve) al igual que en las monedas acuñadas. La cara del centro de trabajo se ve exactamente como una cara de una moneda acuñada.

Estas varillas de acero en blanco con caras en forma de cono (tapas) son utilizadas por la Casa de la Moneda en una prensa de maza para crear matrices maestras, mazas de trabajo y matrices de trabajo.

Esta foto ilustra un centro de trabajo que fue creado para el Lincoln cent reverse. Si observa con atención, puede ver que las imágenes en la cara del centro de trabajo están levantadas y se ven como aparecerán en las monedas golpeadas. Las flechas apuntan a ranuras a lo largo del borde del cubo. Permiten una alineación adecuada del cubo de trabajo y el dado de trabajo cuando se necesita más de un cubo para completar una imagen satisfactoria en el cubo o el dado que se está haciendo. Los troqueles correspondientes tendrán áreas elevadas (orejetas) en las mismas ubicaciones que encajan en las ranuras para asegurar una alineación adecuada.

Debido a la dureza del acero de la matriz y la cantidad de presión que se necesitaba aplicar para la transferencia de la imagen, se necesitó más de un apretón (hubbing) de la matriz maestra en la cara del cubo de trabajo para dejar una impresión satisfactoria de la diseño en el centro de trabajo. Después de recibir la primera impresión, el cubo de trabajo se retiró de la prensa de cubo y se trató con calor (recocido) para relajar la estructura molecular de la aleación y permitir que se hiciera otra impresión presionando nuevamente el troquel maestro en el cubo de trabajo. Este proceso de hacer una impresión (hubbing) y tratamiento térmico (recocido) se repitió hasta que se consideró que la imagen en el hub de trabajo era satisfactoria.

Este es el horno de recocido en la Casa de la Moneda de Filadelfia (1998). Los cubos y matrices que necesitaban ser recocidos antes de recibir otra impresión en la prensa para cubos se llevaron a este horno de recocido para el tratamiento térmico.

Los cubos de trabajo producidos a partir del troquel maestro se utilizaron a su vez en la prensa de cubos para hacer el Matrices de trabajo. Son los troqueles de trabajo los que luego se utilizan para golpear las monedas. Al igual que el cubo de trabajo, se necesitó más de un apretón del cubo de trabajo en el dado de trabajo para dejar una impresión satisfactoria del diseño en el dado de trabajo. Esto significó que el troquel de trabajo tuvo que ser retirado de la prensa de buje después de cada buje y tratado con calor antes de recibir la siguiente impresión.

Este es un dado de trabajo (izquierda) para el reverso del centavo de Lincoln tal como aparece después de haber sido abrochado. Observe que el diseño está al revés de lo que verá en las monedas golpeadas. Aunque es difícil de ver en la foto, el diseño está deprimido (incuso) en el troquel de trabajo. Las flechas apuntan a las áreas elevadas (orejetas) alrededor de la llanta que se alinean con las ranuras del cubo de trabajo. A la derecha del troquel de trabajo podemos ver más varillas de acero en blanco que se pueden usar para hacer troqueles maestros, cubos de trabajo o troqueles de trabajo.

La razón principal por la que el troquel maestro contenía solo los elementos centrales de diseño fue el hecho de que la prensa de cubos que se utilizó para hacer los cubos de trabajo y los troqueles de trabajo era una “prensa de tornillo”. Con este tipo de prensa no fue posible aplicar suficiente presión en el proceso de maza para transferir los elementos de diseño más cercanos a la llanta a las mazas y matrices. También existía la preocupación de que si se cometía algún error al perforar los elementos de diseño cerca del borde en el dado maestro, se perdería mucho tiempo cuando se tuviera que iniciar un nuevo dado maestro. Los elementos de diseño alrededor del borde, como los lemas, las estrellas y la fecha, se perforaron o grabaron a mano en los troqueles de trabajo.

Si era necesario tener una marca de ceca en las monedas para identificar la Casa de Moneda en la que se producían las monedas, la marca de ceca era la parte final del diseño que se agregaba al troquel de trabajo. Un fabricante de matrices en la Casa de la Moneda usó una varilla de acero delgada (punzón) que tenía la letra de la marca de ceca apropiada grabada en un extremo. Sosteniendo el punzón de la marca de ceca en la posición adecuada en el troquel de trabajo, golpeó el punzón de la marca de ceca con un mazo para dejar una impresión de la marca de ceca en el troquel de trabajo.Con frecuencia se requería más de un golpe con el mazo para dejar una impresión satisfactoria de la marca de ceca en el troquel, y el fabricante de troqueles repetía los golpes con el mazo hasta que la impresión de la marca de ceca se consideraba satisfactoria.

En 1836, la Casa de la Moneda introdujo el uso del torno de retrato francés. Este fue el punto en el que la Casa de la Moneda comenzó a usar galvanos. El galvano es un modelo grande del diseño que aparecerá en las monedas. Cada galvano tiene entre doce y quince pulgadas de diámetro. Este tamaño facilitó a los grabadores de Mint trabajar con el diseño. Al igual que cuando el diseño se grabó directamente en la matriz maestra, solo los elementos centrales del diseño aparecieron en el galvano. El proceso de fabricación de galvanos evolucionó significativamente a lo largo de los años.

Galvanos por algunas medallas de la Casa de la Moneda se ven en este soporte de exhibición durante una gira patrocinada por Coin World en 1998 por la Casa de la Moneda de Filadelfia.

Este es un galvano para los barrios de la Estadidad. Se fija en su posición en uno de los tornos reductores Philadelphia Mint & # 8217s en uso en 1998.

El torno de retrato francés era una herramienta de reducción que trazaba el diseño en el galvano y grababa ese diseño en la cara de un Master Hub. Este proceso fue lento y tedioso y tomó entre un día y medio y dos días para completar la transferencia del diseño al centro maestro. Cuando se terminó, el cubo maestro tenía el diseño en relieve y la cara del cubo maestro tenía el tamaño exacto de las monedas que finalmente se producirían con ese diseño.

El concentrador maestro podría usarse durante un período de varios años ya que no contenía la fecha. Cada año se usaría para hacer morir a un maestro ese año. Ese troquel maestro, a su vez, se usaría para hacer centros de trabajo y los núcleos de trabajo se usarían para hacer los troqueles de trabajo como en el proceso descrito anteriormente. Los elementos de diseño restantes se perforarían o grabarían en los troqueles de trabajo individuales.

Con la introducción de los centavos Flying Eagle y Indian Head, la Casa de la Moneda comenzó a colocar las letras alrededor del borde del anverso en el dado maestro. Para evitar los errores e inconsistencias que podrían ocurrir si esas letras se perforaran individualmente, un solo punzón circular contenía la disposición completa de las letras para que todas pudieran imprimirse en el dado maestro al mismo tiempo. En este punto, la fecha todavía no aparecía en la matriz maestra y estaba marcada en las matrices de trabajo individuales. Esto se hizo para que la matriz maestra pudiera usarse para
más de un año.

En 1867 se obtuvo un torno de reducción diferente. Fue conocido como el Torno Reductor de Colinas y realizó la misma operación de transferir el diseño del galvano al cubo maestro. Alrededor de 1886, la Casa de la Moneda comenzó a colocar las letras alrededor del borde del centavo indio en el galvano. En 1893, la Casa de la Moneda cambió de la prensa de tornillo (prensa de cubo) a prensas de cubo hidráulicas, eliminando los problemas que experimentaron al transferir los elementos de diseño cerca de la llanta durante el proceso de cubo. Durante todo este tiempo, la fecha se siguió grabando en los troqueles de trabajo individuales.

Esta es una prensa hidráulica para cubos que se usaba en la Casa de la Moneda de Filadelfia antes de la introducción del proceso de cubrición de un solo apretón. Si se estaba produciendo un troquel de trabajo, se fijaba un cubo de trabajo al mecanismo central en la parte superior de la cámara de cubo y se colocaba una varilla de acero en blanco directamente debajo de él. Cuando se activa, la parte superior de la prensa bajó el eje de trabajo hacia la varilla de acero. Después de recibir la impresión inicial, el troquel de trabajo incompleto se recoció y se devolvió a la prensa de hubbing para otra impresión. Este proceso se repitió hasta que se consideró que la matriz de trabajo tenía una imagen satisfactoria.

En 1907, la Casa de la Moneda introdujo el torno de reducción Janvier que permanecería en uso durante el resto del siglo XX. Al igual que el torno de retrato francés y el torno reductor de colinas, es un pantógrafo con dos brazos. Mientras un brazo traza el diseño en el galvano, el otro brazo talla el diseño en la cara de la varilla de acero que se convertiría en el eje maestro.

Cuando se introdujo el torno de reducción Janvier en 1907, los dos primeros dígitos de la fecha comenzaron a aparecer en el galvano y, por lo tanto, en los bujes maestros. Esto se hizo para que el hub maestro pudiera usarse para fabricar matrices maestras durante un período de varios años. Comenzando con los centavos de Lincoln en 1909, los dos últimos dígitos de la fecha se grabaron en el dado maestro de cada año.

A mediados de la década de 1980, la Casa de la Moneda comenzó a colocar los dos últimos dígitos de la fecha en el diseño maestro (galvano). Se prepararon nuevos centros maestros cada año para cada denominación. En este momento, la Casa de la Moneda también comenzó a colocar la marca de ceca en el diseño maestro de todas las monedas conmemorativas y de prueba.

De acuerdo con la 1986 Informe del Director de la Casa de Moneda, la Casa de la Moneda estaba en el proceso de desarrollar prensas de cubo de presión simple para la producción de cubos de trabajo y matrices de trabajo. Según ese documento, “Durante el año fiscal 1986 (año fiscal 1986 que en realidad comenzó en 1985), la Casa de la Moneda desarrolló aún más un nuevo proceso para un aspecto clave de la fabricación de matrices, el concentrado de matrices en un solo apretón. Cuando se implemente, esto eliminará el recocido y la limpieza intermedios y la segunda operación de concentrado. También evitará la posibilidad de errores de duplicación del cubo (dado doble) causados ​​por la desalineación del segundo apretón. El nuevo proceso se ha utilizado para matrices maestras y centros de trabajo y se encuentra en pruebas piloto para matrices de producción ”.

En 1990 y 1991, la Casa de la Moneda comenzó a aplicar la marca de ceca al dado maestro para las monedas de huelga de circulación. Después de 1994, se colocó la marca de ceca en el diseño maestro.

Un importante punto de inflexión para la producción de machos y matrices en los Estados Unidos, Mints, se produjo en el verano de 1996, cuando Denver Mint abrió su propio taller de fabricación de matrices. Antes de esto, todos los aspectos del proceso de fabricación de matrices se realizaban exclusivamente en la Casa de la Moneda de Filadelfia. El nuevo taller de matrices de Denver estaba equipado con las prensas de cubo de presión única que la Casa de la Moneda comenzó a desarrollar a mediados de la década de 1980.

Esta es la cámara de hubbing de una prensa hubbing de un solo apretón que se usaba en la Casa de la Moneda de Filadelfia en 1998.

El taller de matrices de Denver Mint no produce mazas maestras ni matrices maestras. Todos los hubs maestros y matrices maestras todavía se producen en la Casa de la Moneda de Filadelfia. Las matrices maestras para la producción de monedas en Denver Mint se envían al taller de matrices de Denver desde el taller de matrices de Philadelphia Mint. Luego, el taller de matrices de Denver produce los centros de trabajo y matrices de trabajo necesarios en su taller de matrices. El taller de matrices de Denver también produce matrices de trabajo sin terminar que se utilizarán en la Casa de la Moneda de San Francisco. Una vez recibidos de Denver, los troqueles de trabajo reciben sus acabados especiales para la producción de monedas de prueba en la Casa de la Moneda de San Francisco.

En Denver, el proceso de cubrición de un solo apretón se utilizó para la producción de troqueles de centavo, níquel y diez centavos durante 1996. En ese momento, la Casa de la Moneda todavía tenía dificultades para producir troqueles de cuarto y medio dólar con un solo cubo.

A finales de 1996, también se instalaron las nuevas prensas de cubo de apriete simple en el taller de matrices de Philadelphia Mint, de modo que en 1997 también comenzaron a producir matrices con el proceso de cubo de apriete simple. En 1997 se eliminaron algunos de los problemas con las prensas de cubo de presión única y las matrices de cuartos comenzaron a producirse mediante el método de cubo de presión simple.

Ambas instalaciones, Denver y Filadelfia, continuaron teniendo problemas para producir troqueles de medio dólar con el método de concentrado de compresión simple. Estos problemas también se eliminaron pronto. Posteriormente, la Casa de la Moneda anunció que, a partir de 1999, todos los troqueles de acuñación de EE. UU. Se estaban produciendo utilizando el nuevo proceso de extracción de cubos de compresión simple.

En 2008, la Casa de la Moneda anunció avances importantes para el desarrollo de los modelos de diseño maestro que se utilizan para producir los concentradores maestros. Según la Casa de la Moneda, los grabadores de la Casa de la Moneda ahora tienen la opción de continuar haciendo modelos físicos (galvanos) de los diseños de monedas, o pueden usar sofisticados programas de computadora para hacer modelos de computadora en 3D del diseño de una moneda. Si el grabador elige crear los modelos físicos tradicionales, los modelos completos se pueden escanear en la computadora utilizando un equipo especial de escaneo 3D. En consecuencia, ya sea que se produzca desde cero en la computadora o se cree como un modelo físico, el diseño de la moneda finalmente termina como una imagen de computadora en 3-D.

Una vez que el diseño de la moneda está en la computadora y se considera satisfactorio, las nuevas fresadoras CNC (control numérico por computadora) tallan el diseño directamente en la cara de un cubo maestro. Los tornos de reducción Janvier que se utilizan en la Casa de la Moneda de Filadelfia desde 1907 son ahora cosa del pasado. Las nuevas fresadoras CNC pueden crear un cubo maestro en aproximadamente la mitad del tiempo que les tomó a los tornos reductores Janvier hacer el mismo trabajo.

Una vez que se crea el centro maestro, se usa para hacer algunos troqueles de prueba que golpean monedas de muestra. Si hay algún problema, el diseño se puede ajustar en la computadora y se puede crear un nuevo concentrador maestro. Una vez que la Casa de la Moneda está satisfecha de que todo está como debería ser, el centro maestro se utiliza para hacer los troqueles maestros apropiados. El resto del proceso sigue siendo el mismo con las matrices maestras que se utilizan para crear los centros de trabajo, y los centros de trabajo se utilizan luego para hacer las matrices de trabajo que se utilizarán para golpear las monedas.


Sufriendo, inquebrantable Manet

Durante una visita a Claude Monet de ochenta y cinco años en el verano de 1926, Florence Gimpel, la esposa del marchante de arte parisino Ren & eacute Gimpel, le preguntó a su anfitrión si había conocido a & Eacutedouard Manet. "Sí, era un gran amigo, un gran amigo", fue la respuesta. Monet le dijo a Gimpel que el 29 de abril de 1883 había recibido un telegrama del hermano de Manet & rsquos, Gustave, informándole que el pintor se estaba muriendo:

Lo vi dos días antes de su muerte. Tenía flebitis y había sido necesario cortarle la pierna, pero no se lo habían dicho. Cuando me acerqué a su cama, me dijo: "Ahora ten cuidado con mi pierna". Querían cortarlo, pero dije que no debían hacerlo y me lo quedé. Cuidado. & Rdquo 1

Seis años antes, Monet le había contado más o menos la misma historia al crítico de arte y empresario anarquista F & eacutelix F & eacuten & eacuteon. En esa versión, Manet se asustó cuando Monet comenzó a poner su sombrero en la cama: & ldquo¡Cuidado! ¡Tú & rsquoll me lastimó el pie! & Rdquo 2

Manet murió, a los cincuenta y un años, la noche del 30 de abril de 1883, diez días después de que le amputaran la pierna izquierda para detener la gangrena que la infectaba. Al contrario de sus historias posteriores, Monet no lo visitó en su lecho de muerte, pero recibió un telegrama de Gustave Manet el 1 de mayo solicitándole que fuera a París de inmediato para servir como uno de los seis portadores del féretro. Monet estaba en proceso de mudarse a su casa en Giverny con Alice Hosched & eacute, la esposa separada de su patrón (y Manet & rsquos), Ernest Hosched & eacute. Tuvo que pedir prestado dinero a su comerciante, Paul Durand-Ruel, para el viaje en tren de regreso a París, y también tuvo que pedirle que cubriera el costo de su traje de duelo. Manet fue enterrado en el Cimeti & egravere de Passy el 3 de mayo, y a su funeral asistieron hasta mil quinientas personas, incluidos los impresionistas Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro y Berthe Morisot.

Durante los últimos meses de la vida de Manet & rsquos, la prensa había informado periódicamente sobre su estado de salud. En algunos relatos, padecía una "enfermedad de la médula espinal", "en otros", "quoflebitis". En la mañana del 20 de abril de 1883, Paul Jules Tillaux, profesor de cirugía en el hospital de Beaujon, operó a Manet en el salón de el apartamento familiar en 39, rue de Saint-P & eacutetersbourg. Inicialmente extirpó el pie izquierdo gangrenoso de Manet & rsquos y en una segunda operación le amputó la pierna justo debajo de la rodilla. Sedado con cloroformo, Manet no sintió dolor y puede que no fuera consciente de la pérdida de su extremidad.

Y Eacutedouard Manet: Monsieur y Madame Auguste Manet, 1860

El crítico Philippe Burty, buen amigo del artista y otro de sus portadores del féretro, señaló en su obituario que Manet murió por el mismo trastorno neurológico que tenía su padre. El término "quosífilis" nunca se mencionó, pero esta "herencia combinada" era ampliamente conocida. 3 Auguste Manet, un magistrado respetado y jefe de personal del Ministerio de Justicia, sufrió una parálisis en 1857 y dejó de informar a sus despachos a finales de ese año. Se retiró oficialmente en febrero de 1859 y en sus últimos años sufrió de paresia general e inflamación del cerebro que causó demencia progresiva y parálisis, que era un síntoma común de la sífilis terciaria. En 1860, Manet pintó un digno retrato doble de su padre enfermo vigilado por su atenta esposa, Eug & eacutenie-D & eacutesir & eacutee, que expuso en el Salón de 1861 (ver ilustración a la derecha). Se incluyó en la exposición & ldquoPortraits du si & egravecle (1783 & ndash1883) & rdquo en & Eacutecole nationale sup & eacuterieure des Beaux-Arts, que se inauguró cinco días antes de la muerte de Manet. La aprobación de este préstamo debe haber sido una de las últimas decisiones que pudo tomar.

Manet sintió por primera vez las consecuencias de su sífilis terciaria no tratada en 1878 y 1879, cuando aparentemente experimentó fuertes dolores punzantes en la pierna. El dolor crónico se convirtió en una condición casi permanente después de 1879. Su marcha era inestable y tenía dificultad para caminar y mantenerse erguido durante un período de tiempo. Manet sufría de tabes dorsalis, la degeneración de los nervios de la columna dorsal de la médula espinal, cuyo síntoma principal era la ataxia locomotora. Conocido coloquialmente por sus contemporáneos como l & rsquoataxie, este trastorno neurológico hizo que fuera cada vez más difícil coordinar los grupos de músculos utilizados para caminar. A diferencia de su padre, Manet parece haberse librado de los efectos debilitantes de la paresia general y no experimentó discapacidad visual ni demencia en sus últimos años.

Antes de cumplir los cuarenta y ocho años, Manet comenzó a tratar su enfermedad mediante hidropatía, fármacos y curas de reposo en Versalles y en la ciudad balneario de Bellevue, a unas ocho millas al suroeste de París. Estaba rodeado por una falange de médicos y lo que hoy podría llamarse practicantes de la medicina alternativa. Tomó mercurio, cloral, bromuro, morfina y láudano Sydenham. (La penicilina, descubierta en 1928, se utilizó como cura para la sífilis sólo después de 1943.) Manet se volvió adicto al cornezuelo de centeno, un derivado de un hongo del centeno, que se había recetado como vasoconstrictor. Para Degas, esto no era más que un "remedio de partera". El 29 de marzo de 1883, Pissarro le escribió a su hijo Lucien:

Nuestro pobre amigo Manet está al borde de la muerte y rsquos puerta. Ha sido absolutamente envenenado por la medicina alopática y tiene gangrena en la pierna causada por haber tomado dosis sorprendentemente grandes de cornezuelo de centeno. Perdemos un gran artista y un hombre encantador.

Bajo la atención primaria de su médico de cabecera, Fran & ccedilois Siredey & mdasha, reconocido ginecólogo, médico jefe del h & ocircpital Lariboisi & egravere, y propietario de su hermosa naturaleza muerta temprana. Frutas en la mesa (1864) & mdashManet probablemente tomó sus primeras curas térmicas e hidropáticas en 1879 & ndash1880 en clínicas en París y Auteuil supervisadas por Joseph Marie Alfred Beni-Barde. los & eacutetablissement hydroth & eacuterapique en 63, rue de Miromesnil & mdasha, a pocas calles del apartamento y estudio de Manet & rsquos & mdash se había fundado solo unos años antes, en 1876. La clínica de Auteuil, que databa de la década de 1820, estaba ubicada en un imponente conjunto de edificios y terrenos. En ambas clínicas se ofrecían duchas heladas, baños hidroeléctricos e inmersión completa en tinas con electrodos y masajes en las manos (las sesiones pueden durar cinco horas).

Manet fue atendido por el discípulo de Beni-Barde & rsquos, el Dr. Paul Materne, conocido por la energía con la que administraba sus duchas. Su simpático retrato al pastel de Materne, realizado alrededor de 1880, llama la atención sobre la espesa barba oscura de su modelo y rsquos, que habitualmente se empapaba durante el curso del tratamiento. 4 Manet se refirió cariñosamente a las enfermeras de estas clínicas como 'ldquoles Beni-Bardeuses', y se refirió a su amigo de la infancia y primer biógrafo, Antonin Proust (sin relación con el escritor), 'cuando me ven bajar los escalones de la piscina con un sonrió en mi rostro, entonces sé que estaré fuera de peligro y no tardará mucho en llegar. En agosto de 1882, Manet presentó a Eacutemile Zola, que quería detalles del tratamiento hidropático, a la clínica parisina Beni-Barde & rsquos, que los dos los hombres visitaron juntos. No contento con simplemente darse una ducha, Zola pasó la tarde tomando notas.

Durante la primavera de 1880, la condición de Manet & rsquos se deterioró. Confió tanto a St & eacutephane Mallarm & eacute como a Alexandrine Zola que le habían dicho que evitara subir escaleras siempre que fuera posible. Entre junio y octubre siguió un curso de duchas terapéuticas y masajes en el célebre & eacutetablissement hydroth & eacuterapique que había sido fundada en 1846 en Bellevue. (Beni-Barde había trabajado allí a principios de la década de 1860). Manet estaba acompañado por su esposa y su madre, y un pequeño grupo de pinturas y dibujos que hizo ese verano los muestra sentados en el jardín de la casa que alquilaron.

"Las duchas son simplemente una tortura para mí", le escribió a la actriz M & eacutery Laurent, a quien Mallarm & eacute le había presentado cuatro años antes. & ldquoIt & rsquos mucho menos cómodo que en el establecimiento Beni-Barde & rsquos & rdquo A pesar de su decepción con el personal de la clínica & rsquos, Manet parece haber seguido el régimen de Bellevue con diligencia y resistido el deseo de regresar a París. A principios de agosto organizó Chez le P & egravere Lathuille& mdash su pintura de un joven ardiente embelesado con su compañero de comedor algo mayor en la terraza de un conocido restaurante parisino, que se mostró unos meses antes en el Salón de 1880 & mdash se enviará a una exposición en Gante. No esperaba que fuera mejor recibido allí que en París, informó al abogado belga Eug & egravene Maus, pero tenía la esperanza de poder venderlo ya que "este tratamiento es caro".

Manet no regresó a Bellevue el verano siguiente, sino que alquiló una villa en Versalles en julio de 1881, donde planeaba dar paseos por los jardines de Le N & ocirctre & rsquos y utilizarlos como escenario para sus pinturas. (Al final, no fue lo suficientemente fuerte para hacerlo). En el verano de 1882 trasladó su casa a otra casa alquilada en el pueblo de Rueil, al oeste de París. Hizo vistas deslumbrantes y bañadas por el sol de los jardines de ambas villas, pintadas de una manera impresionista exuberante, pero notables por su quietud y vacío, desprovistas de cualquier presencia humana.Al regresar a París un poco antes de lo esperado, el 30 de septiembre de 1882, Manet redactó su última voluntad y testamento, dejándole todo a su esposa, Suzanne, e instruyéndola para que se asegurara de que toda la herencia eventualmente pasara a su hijo, L & eacuteon Leenhoff. , & ldquow, quien me ha atendido con el mayor esmero. & rdquo 5

Algunos de los colegas de Manet & rsquos conocían bien su estado. Monet notó en diciembre de 1880 lo complacido que había estado al ver a Manet luciendo tan saludable y trabajando en una presentación "cuantiosa" para el próximo Salón. Manet hablaba regularmente de su salud con su cuñada Berthe Morisot e íntimos como Mallarm & eacute y Proust. En diciembre de 1881 aludía discretamente a su enfermedad en una carta al crítico Ernest Chesneau: "Y tú, mi querido Chesneau, ¿cómo te sientes?" Contaba aún más con las noticias sobre su salud, ya que la mía no es tan maravillosa en este momento ''. En una carta de condolencia a Suzanne en mayo de 1883, Chesneau señaló que él y su esposo tenían exactamente la misma edad y estaban afligidos por muy enfermedades similares. & rdquo

A pesar de que caminar se había vuelto cada vez más difícil para este bulevar empedernido, en la primavera de 1880 Manet se sintió insultado por haberle ofrecido un asiento en el local de la elegante modista parisina Madame Virot, donde había ido a elegir un sombrero para una modelo. . "No necesito una silla", refunfuñó. & ldquoI & rsquom no discapacitado & rdquo. Una vez que su buen humor se recuperó, él pudo reírse de su error: & ldquoPara pensar que ella me hacía parecer un lisiado frente a todas esas mujeres. & rdquo El 10 de julio de 1882, Manet respondió a un breve artículo sobre la portada de L & rsquo y Eacutev y eacutenement aludiendo a su mala salud. No se encontraba en absoluto mal, tranquilizó a los lectores, pero simplemente se había torcido el tobillo antes de irse de París a pasar el verano.

En este punto, Manet ya no podía pintar de pie durante mucho tiempo. Se apoderó de los diagnósticos esperanzadores y de diversos tratamientos y mdashto Degas y rsquos consternación y mdashand su familia y amigos cercanos monitorearon su salud cuidadosamente. No hay un registro contemporáneo detallado de los efectos de su enfermedad y ciertamente no hay evidencia de ninguna debilidad o disminución en sus lienzos de estos últimos años, pero algo de las condiciones debilitantes que Manet debe haber experimentado puede inferirse del "diario de Quopain" del escritor naturalista Alphonse Daudet. , que se había infectado con sífilis a los diecisiete años y cuyos síntomas comenzaron a manifestarse a fines de la década de 1880. A menudo, con un dolor insoportable, especialmente en el pie y el talón, Daudet notó la aparición de temblores en las manos, la fotosensibilidad y la alteración de su marcha: "No puedo bajar una escalera si no hay un pasamanos, no puede caminar por un piso encerado". de visitas a spas, baños termales y clínicas hidropáticas, incluida la aterradora experiencia de ser suspendido de la mandíbula para estirar la columna, un tratamiento conocido como aparato Seyre & rsquos que había sido importado de Rusia por el célebre neurólogo Jean-Martin Charcot. "Incluso las acciones más simples y naturales requieren un esfuerzo de voluntad", señaló Daudet. & ldquoCaminar, ponerse de pie, sentarse, mantenerse erguido, quitarse el sombrero o volver a ponérselo. & rdquo

Cuando Manet, que había estado presentando pinturas al Salón desde 1861, finalmente recibió una medalla de segunda clase en la clausura del Salón de 1881 y le permitió por fin pasar por alto al jurado en el futuro, insistió en agradecer personalmente a cada uno de los diecisiete miembros del jurado. que había votado por él. Estas visitas deben haber sido una prueba tremenda.

Daudet se describió a sí mismo como "la banda de dolor de un solo hombre". Manet no era dado a tal introspección, pero las consecuencias de su sífilis terciaria son relevantes para una comprensión más completa de los logros de sus últimos años. (No tiene mucho sentido hablar de Manet & rsquos & ldquolate style & rdquo) Este fue el trasfondo de & ldquoManet and Modern Beauty: The Artist & rsquos Last Years & rdquo, una excelente exposición que se exhibió el año pasado en el Art Institute of Chicago y el J. Paul Getty Museum. que reunió alrededor de noventa obras realizadas entre 1878 y 1883, incluida una selección de cartas ilustradas poco expuestas.

El proyecto se inspiró en la adquisición de Getty & rsquos en noviembre de 2014 de Manet & rsquos Jeanne (primavera), que el artista había expuesto en el Salón de 1882 junto con su obra maestra final, Un bar en Folies-Berg & egravere. 6 Modelada por una aspirante a actriz de dieciséis años llamada Anne Darlaud, que se hacía llamar Jane Demarsy, esta celebración de la moda y la feminidad parisinas había sido bien recibida en el Salón. Un crítico asumió que la joven estaba paseando con su sombrilla en el Bois de Boulogne, y Jeanne (primavera) suscitó mucho más entusiasmo que Un bar en Folies-Berg & egravere. Encargado por Proust como parte de una serie de Four Seasons & mdashof, que solo otra pintura, Otoño (M & eacutery Laurent), se inició antes de que Manet muriera y mdashJeanne (primavera) era descaradamente impresionista en el manejo y la paleta, aunque compartía afinidades con el trabajo de pintores menos vanguardistas como James Tissot y Alfred Stevens, este último otro portador del féretro en el funeral de Manet & rsquos. 7

Las exposiciones, a diferencia de los libros y catálogos, no siempre pueden contar la historia que se proponen contar. Algunas obras pueden no poder viajar por razones de conservación o las restricciones de su legado, o simplemente pueden no estar disponibles, a pesar de años de preparación y negociaciones para préstamos. En & ldquoManet y Modern Beauty & rdquo, la ausencia de ambiciosas pinturas de figuras de salón como Chez le P & egravere Lathuille y Un bar en Folies-Berg & egravere significó que se prestó atención a las obras más íntimas de Manet & rsquos: sujetos femeninos modernos de una sola figura en plein air, retratos al pastel, naturalezas muertas, paneles decorativos y acuarelas. La exposición asoció discretamente la mala salud de Manet & rsquos con esta producción más & ldquofeminizada & rdquo, pero la implicación de que pudo haber estado trazando un curso alternativo en sus últimos años no reconoció la urgencia con la que Manet continuó presentándose como un artista público que buscaba encargos oficiales y reconocimiento en el Salón, a pesar de la indiferencia del gobierno y la continua hostilidad de los principales críticos, que se burlaron de él como el maestro de la tache colorante& mdashpatches de color.

Después del colapso del gobierno conservador del presidente Patrice de MacMahon & rsquos en enero de 1879, Manet & mdasha republicano radical y amigo de L & eacuteon Gambetta y Georges Clemenceau & mdash tenía grandes esperanzas de que el nuevo gobierno de Jules Gr & eacutevy sería más favorable para él. Hacia finales de 1878, sus esfuerzos por conseguir una comisión para decorar la cámara del consejo municipal de París & rsquos, recientemente reconstruida H & ocirctel de Ville, habían fracasado. Manet le había pedido a Proust que le presentara al ministro de Bellas Artes, Agütenor Bardoux, quien se negó a recibirlo, y también se había acercado al arquitecto Théacuteodore Ballu, quien lo recibió como un perro que se atrevería a levantar la pata contra la pared de un público. edificio. & rdquo En abril de 1879 Manet se acercó al crítico de arte progresista Jules-Antoine Castagnary, recientemente nombrado director del Consejo Municipal de París. Propuso pintar un techo con "todos los hombres de nuestro tiempo que han contribuido o están contribuyendo a la vida cívica", así como murales inspirados en las novelas de Zola y rsquos, mostrando los mercados de París, los ferrocarriles de París, el puerto de París, el metro de París, París. carreras y jardines. Castagnary parece no haber respondido.

Dos meses después, en junio de 1879, Manet se acercó a Edmond Turquet, subsecretario de Estado de Bellas Artes, para pedirle al gobierno que comprara una de sus pinturas del Salón para una colección municipal. (Turquet objetó.) En octubre de 1881, Manet recibió la autorización de la Compagnie des chemins de fer de l & rsquoOuest para visitar el depósito ferroviario de Batignolles y estudiar a un conductor y un fogonero en el trabajo, como preparación para un cuadro para el Salón. 8 Estos temas inverosímiles para clientes inverosímiles parecen completamente en desacuerdo con los dones de Manet & rsquos como un observador distante, y en ocasiones distante, de la cultura urbana patricia. Pero tales esfuerzos eran totalmente coherentes con su práctica de enviar dos pinturas al Salón cada año y mdashmodernos sujetos y retratos de la vida y mdashcalculados, en su escala y cruda frontalidad, para llamar la atención en las paredes densamente colgadas del Palais de l & rsquoIndustrie.

El calendario del Salón anual (que se inauguró el 1 de mayo), con la preparación de las presentaciones durante el otoño y el invierno para un plazo de primavera seguido de la revisión del jurado y rsquos, dominó la programación y los ritmos de la producción de Manet & rsquos hasta los últimos meses de su vida. . En el invierno de 1882 & ndash1883, estaba trabajando en dos pinturas de una sola figura para el Salón de 1883, ninguna de las cuales se completó. Hizo tres versiones de Mujer joven en traje de montar (Amazone), modelado por la hija de un librero y mdash cuya longitud completa cortó en frustración con su amassette (una espátula que se utiliza para preparar pigmentos). Para su segunda presentación en el Salón, El clarín, abandonado en febrero de 1883, Manet utilizó como modelo a un ex oficial de infantería que había sido recomendado por su amigo el pintor militar Henri Louis Dupray.

Manet & rsquos se conformó con las estrategias de un pintor oficial & mdash se había negado resueltamente a participar en cualquiera de las exposiciones impresionistas, a pesar de su admiración por los pintores más jóvenes y su obra & mdashin de ninguna manera socavó su estética disruptiva, con su modelado colorista, supresión sistemática de los medios tonos, y rechazo del claroscuro tradicional. En la década de 1870 y principios de la de 1880, Manet & rsquos tonalidades cada vez más intensas y pinceladas más insistentes e inspiradas por Monet y Renoir & mdash fueron particularmente discordantes en la arena pública del Salón.

Alte Nationalgalerie, Berlín

Y Eacutedouard Manet: En el Conservatorio, 1879

Viendo En el ConservatorioDebido a su sumisión al Salón de 1879, en el que pudo haber trabajado durante dos años, al igual que el Art Institute of Chicago, no fue difícil comprender el desconcierto y la incomodidad de sus críticos. En su descripción de este tema con un subtexto erótico bastante estándar, el tratamiento deslumbrante de Manet & rsquos de un encuentro entre una pareja burguesa impecablemente ataviada en un jardín interior sigue siendo perturbador y transgresor. A pesar de toda la luminosidad de la pintura y rsquos, las expresiones de las figuras y rsquo son ilegibles, su lenguaje corporal indescifrable. ¿Por qué una de las manos de Madame Guillemet & rsquos no tiene guantes y cuál es el significado del anillo en su dedo medio? ¿Por qué Manet ha permitido que se apague su pretendiente y su cigarro? El escenario es exuberante, pero claustrofóbico, el estado de ánimo expectante, pero no exento de ansiedad. Las manos de la pareja y rsquos no tocan del todo la mirada de la mujer y los rsquos con los ojos abiertos y su compañero y rsquos se mien furtivos se evitan y no ofrecen ninguna resolución. 9 Aquí estaba el legado perdurable de Manet & rsquos & ldquopantheism & rdquo: una forma de componer que, como había escrito el crítico Th & eacuteophile Thor & eacute Olimpia en 1865, "no valoraba más una cabeza que una zapatilla, y eso a veces asigna más importancia a un ramo de flores que al rostro de una mujer".

En los cuatro años que siguieron, Manet no se desvió de su ambición de crear un cuerpo perdurable de sujetos modernos en & ldquoa. Plein air iluminación que podría elaborarse y perfeccionarse en el estudio. & rdquo 10 Tras mudarse en abril de 1879 a un gran estudio lleno de luz en 77, rue d & rsquoAmsterdam, su método de trabajo hasta su muerte permaneció esencialmente sin cambios. Necesitaba la presencia del modelo y los modelos de sus retratos para múltiples sesiones, reelaboraba sus lienzos incesantemente y podía comenzar de nuevo cualquier cantidad de veces. (Proust recordó que se utilizaron siete u ocho lienzos completos antes de que Manet quedara satisfecho con su retrato). Un gran número de pinturas permanecieron sin terminar, y varios artistas que visitaron Manet en sus últimos años se sorprendieron al ver tantos de sus famosos artistas anteriores. fotos todavía colgadas en el estudio (ya que ninguna se había vendido).

Con la aparición de los síntomas de su sífilis terciaria, se puede decir que se ha producido un cambio significativo en el proceso creativo de Manet & rsquos. Para un artista que nunca había salido de su apartamento o estudio sin un lápiz y un cuaderno de bocetos en el bolsillo para registrar ideas y motivos para futuras composiciones, la discapacidad física de Manet & rsquos restringió severamente este método de trabajo y podría haber presentado desafíos insuperables. A medida que se volvía menos móvil, permanecía cada vez más confinado en su estudio, donde a menudo se veía obligado a pintar sentado. Su buen amigo y albacea, el coleccionista e historiador del arte Th & eacuteodore Duret, recordó que en sus últimos años Manet fue "prácticamente clavado a su silla".

Julian Barnes ha observado de los novelistas que "la quopaína es normalmente el enemigo de los poderes descriptivos". Si bien podría decirse lo mismo de los pintores, la profusión de pasteles, letras ilustradas y naturalezas muertas modestamente escaladas mostradas en "Manet y la belleza moderna" demostraron conmovedoramente lo contrario. : la determinación del artista y rsquos por seguir trabajando, y al más alto nivel. La penúltima galería del Art Institute of Chicago se dedicó a una conmovedora serie de naturalezas muertas predominantemente florales, de escala modesta, con fondos grises o negros, muchos de los cuales fueron firmados (y por lo tanto terminados), y para los cuales no fue una ávida demanda de los clientes de Manet & rsquos.

Y Eacutedouard Manet: Jarrón de rosas y lilas blancas, 1883

A pesar del virtuosismo y la indiferencia de su manejo, Manet retrató con amor las decoraciones grabadas en los jarrones y los motivos de mdashdragon y geishas con sombrillas se pueden discernir en algunos, si uno mira de cerca y su dominio es inquebrantable. Entre los más grandes de estos bodegones, Jarrón de rosas y lilas blancas fue probablemente una de las últimas pinturas que completó Manet (vea la ilustración a la derecha). En el catálogo de su exposición póstuma, realizada en enero de 1884, ocho meses después de su muerte, a este cuadro se le asignó la fecha 28 de febrero de 1883. Sobre un fondo negro, ramitas de lilas crean un dosel para tres rosas pequeñas, de tonalidad violácea, agrupados en el centro de la composición. Como alas de serafines y rsquo, estas flores blancas se abren en abanico más allá de los bordes del lienzo en un gesto silencioso de bendición. La firma en la parte inferior derecha es enfática, las últimas tres letras del nombre de Manet & rsquos subrayadas con expresiva finalidad. 11

Apropiadamente, sin embargo, la obra maestra final de Manet & rsquos fue una pintura de figuras para el Salón: Un bar en Folies-Berg & egravere, ejecutada durante el invierno de 1881 & ndash1882, una obra que es & ldquogrand, tranquila y completa & rdquo (ver ilustración en la parte superior). 12 Manet invitó a Suzon, el & ldquobartender, con flequillo & rdquo en el notorio café & eacute-concert, a modelar para él en su estudio. También había encontrado una encimera de mármol y mdash y ldquoun buffet de restaurante& rdquo & mdashupon donde colocar las botellas de champán y licores, y dos, posiblemente tres, botellas de cerveza English Bass. A estas alturas, habría requerido un esfuerzo considerable para Manet subir las escaleras hasta el balcón del segundo piso en Folies-Berg & egravere, donde se encontraba este bar, pero logra una poderosa sensación de Loci Genio sin embargo.

Se podría decir literalmente que Manet ha vuelto a escenificar la cultura del café y el agua en su estudio. Recibía tantos amigos y visitantes al final del día que contrataron a un camarero para servir bebidas. El joven pintor Pierre-Georges Jeanniot recordó haber sido recibido por Manet mientras trabajaba en este cuadro: "Es molesto, perdón, pero me vi obligado a permanecer sentado porque me duele el pie". El célebre histólogo Dr. Albert Robin observó mientras Manet ponía los acabados. toca el papel dorado de las botellas de champán. (Sus habilidades motoras y la coordinación mano-ojo permanecieron intactas, como lo demuestra el exquisito grupo de naturalezas muertas tardías y pinturas de flores en la exposición).

En Un bar en Folies-Berg & egravere Manet retrata a la camarera con simpatía y dignidad, y sin la menor insinuación de la inmoralidad habitualmente atribuida a su profesión. No parece particularmente melancólica ni "confinada por su alienación", pero se la presenta como una mujer joven con serenidad, mejillas sonrojadas, un conjunto bien confeccionado y un ramillete vivaz. Y ella se encuentra con nuestra mirada (masculina) con paciencia, tolerancia e incluso una pizca de aburrimiento. La concisión es la aspiración suprema del artista, informó Manet a Jeanniot, y la pintura nunca debería ser una tarea ardua: & ldquoPas de pensum! ¡Ah non, pas de pensum!& rdquo


Biografía de Claude Monet


Reconocido como el 'Padre del Impresionismo', Claude Monet (1840 - 1926) instigó uno de los movimientos artísticos más importantes de la historia, y su obra pionera sigue inspirando el desarrollo de artistas y estilos artísticos en la actualidad.

¿Cómo representan y reflejan los artistas el mundo en el que viven? El hecho de que el mundo natural cambia constantemente hace que representarlo sea un desafío cuando se trata de pinturas al óleo, que son estáticas y no pueden mostrar movimiento como lo hacen las películas. Para abordar este problema, el pintor Claude Monet se convirtió en uno de los fundadores del movimiento artístico del impresionismo. El impresionismo rompió con las convenciones y mostró a los artistas una nueva forma de desarrollar técnicas para llegar al corazón de la realidad frente a ellos.

Claude Monet nació en París, Francia, el 14 de noviembre de 1840. Comenzó a dibujar cuando era niño cuando su familia se mudó a Normandía. Después de hacerse conocido por hacer caricaturas de sus maestros y de la gente que vive en la ciudad, Monet conoció al paisajista Eugene Bodin, quien le enseñó a pintar al aire libre.

Esto llevó a Monet a regresar a París, donde se convirtió en estudiante en la Academie Suisse. Aquí, se sumergió en la escuela de Barbizon, que enfatizó hacer bocetos preliminares en el exterior y luego llevar el lienzo al interior para pintar el mundo natural en un ambiente controlado.

Monet no estaba satisfecho con este enfoque y comenzó a pintar afuera, permaneciendo en la escena desde el principio hasta el final en lugar de terminar el trabajo dentro de un estudio. Estaba empezando a concentrarse en capturar la evanescencia de la luz natural cambiante, lo que requería una pintura más rápida y una nueva actitud sobre el arte. El impresionismo se hizo posible gracias a los fabricantes que producían nuevas gamas de colores de pintura en tubos que eran fáciles de transportar y usar en el exterior en lugar de tener que depender de un estudio para mezclar y almacenar los tonos.

Impresionismo

El término "Impresionismo" ahora se refiere a un importante movimiento artístico, pero los críticos de Monet lo aplicaron originalmente para expresar burla por su estilo de pintura. Monet exhibió su pintura Impresión: Amanecer en 1874 con un grupo de compañeros artistas que estaban usando las nuevas técnicas de pintura rápidamente con colores vibrantes y completando el trabajo en el exterior en lugar de interrumpir el proceso y terminar las pinturas en un edificio. Los críticos dijeron que estas obras eran "meras impresiones" y mostraban que los artistas estaban mal entrenados y no podían terminar pinturas de acuerdo con las ideas contemporáneas de composición.

Monet y sus compañeros impresionistas estaban ansiosos por eliminar el color negro de sus paletas y alentaron esta práctica en cada oportunidad. Provocó una nueva teoría del color, que enfatizaba la presencia del color, dentro de las sombras, y trabajaron con la regla de que no había negro en la naturaleza y, por lo tanto, no debería incluirse en sus pinturas. Monet es ampliamente considerado como el precursor del impresionismo francés.

Los elementos clave del impresionismo incluyen pinceladas rápidas de pintura hechas con pinceladas rotas y apresuradas mientras el artista busca plasmar en la pintura cómo se ve el mundo en ese momento único. Los artistas que practican el impresionismo cargarían sus pinceles en lugar de usar pequeñas cantidades de color para representar sombras. Estas sombras no fueron representadas estrictamente como negras o grises, sino que tenían elementos de otros colores porque esa es la realidad a la que se enfrentaban los artistas.

Pinturas principales

A veces, la luz que Monet lograba en sus pinturas era casi el tema en sí. La luz realzó las obras y dio a las pinturas de Monet una calidad fotográfica, a pesar de la "impresión" del tema de la pieza. Fueron estas impresiones, más que los sujetos o temas, las que establecieron a Monet como un artista revolucionario. Monet se interesó cada vez más en cómo nuestros ojos perciben realmente el mundo natural. Con ese fin, crearía múltiples pinturas para registrar y revelar el proceso de percepción a medida que la apariencia de la escena natural cambiaba a lo largo del día. Ejemplos de estos esfuerzos incluyen sus pinturas de Pajares (1891), Puente de Waterloo (1903).

Fascinado por los efectos de la luz, hizo un uso innovador del color y las pinceladas para retratar una visión fresca y original. Su incansable investigación de la luz sobre un tema determinado se traza a lo largo de las pinturas de su serie, sobre todo en las de la catedral de Rouen y los nenúfares en su jardín Giverny.

Junto con los otros impresionistas, el objetivo de Monet en su pintura era capturar la realidad y analizar la naturaleza cambiante de la luz y el color. Grabó fielmente su entorno, desde la suciedad de una estación de tren de París hasta la belleza incandescente de sus pinturas posteriores basadas en los jardines que creó en Giverny, en el noreste de Francia.

Influencias

Paul Cezanne

Edgar Degas

Vincent Van Gogh

Otro artista fundamental que fue influenciado por Monet, van Gogh (1853-1890) empleó esquemas de color inusuales hasta el punto del simbolismo para transmitir sus propias emociones en pinturas al óleo. Con Van Gogh, los espectadores obtienen una impresión mucho mayor de la escena que de cómo se ve técnicamente. Las emociones y el estado psicológico del artista se revelan también en su atrevida ráfaga de colores.

Monet murió el 5 de diciembre de 1926 en Giverny, Francia, dejando tras de sí una obra sustancial que los aficionados al arte todavía admiran en la actualidad. Poco después de la muerte de Monet, el gobierno francés instaló su última serie de nenúfares en galerías especialmente construidas en la Orangerie de París, donde permanecen hoy.

Vale la pena señalar que más adelante en su vida, Monet escribió:

Mi único mérito radica en haber pintado directamente frente a la naturaleza, buscando plasmar mis impresiones antes de los momentos más fugaces. "


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