The Kingston Trio lleva la música folclórica a lo más alto de las listas de éxitos de EE. UU.

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El 17 de noviembre de 1958, "Tom Dooley" del Kingston Trio alcanza el número 1 en la Cartelera gráfico pop.

Si bien es posible que no quisieran reconocerlo, los fanáticos de la gente de protesta de la década de 1960 probablemente debieron la existencia misma del movimiento a tres tipos con cortes de equipo y camisas a rayas de caramelo que perfeccionaron su actuación no en los vagones de carga o en los cafés de Greenwich Village, sino en las fraternidades y hermandades de mujeres de la Universidad de Stanford a mediados de la década de 1950. Tanto en su música como en su apariencia física, el Kingston Trio mostró poca incomodidad con el status quo sociopolítico de la década de 1950. Sin embargo, sin las enormes ganancias que su música generó para Capitol Records, es imposible imaginar que se otorguen contratos de grabación con grandes sellos a algunos de los que desafiarían ese status quo en la próxima década. Joan Baez y Bob Dylan, por ejemplo, pueden haber debido su desarrollo musical y político a precursores como Woody Guthrie y Pete Seeger, pero probablemente debieron su viabilidad comercial al Kingston Trio, quien introdujo el sonido sorprendentemente fresco de un centenar de años. vieja canción folclórica en la corriente principal del pop estadounidense de 1958.

La canción "Tom Dooley" probablemente se cantó por primera vez en algún momento después del 1 de mayo de 1868, cuando un hombre de Carolina del Norte llamado Tom Dula fue ahorcado por el asesinato de su prometida, Laura Foster. Gracias a una amplia cobertura en los principales periódicos como losNew York Times, el juicio del Sr. Dula lo convirtió en una especie de causa célebre nacional, y proclamó su inocencia del asesinato incluso mientras estaba en la horca. No está claro cuándo ni quién escribió la triste balada de asesinato basada en su historia, pero Kingston Trio la resucitó a fines de la década de 1950 después de escuchar a un compañero cantante de folk interpretarla en una audición en el club Purple Onion de San Francisco.

La versión de Kingston Trio de "Tom Dooley" se centró más en la atmósfera temperamental de los Apalaches que en los detalles gráficos del cuadrilátero de amor que se encuentra en el original, pero esa compensación, combinada con las armonías con respaldo de banjo del Trío, convirtió a "Tom Dooley" en el gran éxito que lanzó su exitosa carrera. Y el éxito del Kingston Trio, a su vez, hizo posible que una marca más política de música folclórica se convirtiera en la corriente principal popular y en el ADN del rock and roll en los años siguientes.


Cantantes de Whiskeyhill

los Cantantes de Whiskeyhill fueron formados a principios de 1961 por Dave Guard después de dejar The Kingston Trio. Guard formó a los Singers como un intento de volver a las raíces anteriores del Trío en la música folclórica. los Cantantes duró unos seis meses antes de disolverse. Durante ese corto período, el grupo lanzó un álbum, Dave Guard y los cantantes de Whiskeyhilly grabó varias canciones para la banda sonora de Como fue ganado el Oeste, pero solo cuatro de estos se usaron en la película.


Contenido

Shane nació el 1 de febrero de 1934 en Hilo en la Isla Grande de Hawai, hijo de Margaret (Schaufelberger) y Arthur Castle Schoen, un distribuidor mayorista de juguetes y artículos deportivos. Su madre era de Salt Lake City y su padre era un hawaiano de ascendencia alemana. [2] [3] [4] Shane era, en sus propias palabras, "un isleño de cuarta generación". Asistió a escuelas locales, incluida la prestigiosa Escuela Punahou durante sus años de secundaria y preparatoria. El plan de estudios de Punahou enfatizaba la cultura nativa hawaiana, [5] complementando el interés que ya estaba desarrollando Shane por la música en general y la música hawaiana en particular.

Durante estos años, Shane (la ortografía fonética que comenzó a usar en 1957) aprendió a tocar primero el ukelele y luego la guitarra, influenciado especialmente por guitarristas hawaianos de tecla floja como Gabby Pahinui. También fue durante estos años que Shane conoció a su compañero de clase de Punahou, Dave Guard, y comenzó a actuar con él en fiestas y programas de variedades escolares.

Después de graduarse en 1952, Shane asistió a Menlo College en Menlo Park, California, mientras que Guard se matriculó en la cercana Universidad de Stanford. En Menlo, Shane conoció y se hizo rápidamente amigo de Nick Reynolds, originario del área de San Diego y también músico y cantante con un amplio conocimiento de canciones populares y folclóricas, debido en parte al padre amante de la música de Reynolds, un capitán de la Marina. . Shane presentó a Reynolds a Guard, y en 1956, los tres comenzaron a actuar juntos como parte de una agregación informal que podría, según Reynolds, [6] expandirse hasta seis o siete miembros. El grupo recibió diferentes nombres, la mayoría de las veces como "Dave Guard and the Calypsonians". Ganaron poco más que cerveza y no tenían aspiraciones profesionales formales. Shane abandonó la universidad en su último año y regresó a Hawai para trabajar en el negocio familiar. [7] [8]

Sin embargo, Shane había descubierto una afinidad natural por el entretenimiento y por la noche siguió una carrera en solitario en Hawái, incluidos compromisos en algunos de los principales hoteles de Waikiki. El acto de Shane consistió en una mezcla ecléctica de canciones de Elvis Presley, Hank Williams, Harry Belafonte y espectáculos de Broadway. Durante este período de varios meses, también conoció a la leyenda del blues acústico Josh White, quien ayudó a Shane a refinar su estilo de guitarra e influyó en él para que apoyara su voz con una guitarra "Dreadnought" de Martin, lo que fue significativo porque condujo a la asociación de Shane de por vida con ese fabricante de guitarras. . [9] La compañía correspondió al emitir una serie de modelos "exclusivos" en honor a Shane y el Kingston Trio a fines de la década de 1990 y principios de la de 2000. [10]

Al mismo tiempo, en California, Guard y Reynolds se habían organizado de manera algo más formal en un acto llamado "The Kingston Quartet" con el bajista Joe Gannon y su prometida, la vocalista Barbara Bogue. Este grupo apareció para un compromiso de una noche en un club llamado Italian Village en San Francisco, al que invitaron al publicista Frank Werber, quien había visto el acto de los Calypsonians con Shane unos meses antes en el jardín de cerveza Cracked Pot en Palo Alto. Werber quedó impresionado por el talento natural y la sinergia entre Guard y Reynolds; estaba menos impresionado con Gannon y Bogue, y sugirió a Reynolds y Guard que estarían mejor como trío sin Gannon, más fácil de reservar y mejor musicalmente. [11] Cuando Guard y Reynolds dejaron ir a Gannon y Bogue lo siguió, Reynolds, Guard y Werber consideraron a Shane como el tercer miembro lógico y le pidieron que regresara a California, lo que hizo en la primavera de 1957. [12] La voz de barítono de Shane y el trabajo de guitarra. fueron la base del sonido del Kingston Trio. [13]

Shane, Guard, Reynolds y Werber redactaron un acuerdo informal (en una servilleta de papel, según una leyenda que Werber ha desacreditado) [14] que se transformó en una sociedad legal. Se decidieron por el nombre "Kingston Trio" porque evocaba, pensaron, tanto la entonces popular música calipso que emanaba de Kingston, Jamaica, como el tipo de ambiente "colegiado" sugerido por su atuendo escénico adoptado rápidamente de botones a juego. camisas a rayas con mangas de tres cuartos y cuello hacia abajo.

Bajo la rigurosa tutela de Werber, Shane, Guard y Reynolds comenzaron ensayos casi diarios durante varios meses, incluida la instrucción de la prominente entrenadora vocal de San Francisco, Judy Davis. La primera ruptura significativa del grupo se produjo en el verano de 1957 cuando la comediante Phyllis Diller tuvo que cancelar un compromiso en The Purple Onion, un pequeño club nocturno de San Francisco, y Werber convenció a la gerencia para que contratara al trío no probado durante una semana. Las estrechas armonías del trío, el variado repertorio y el humor cuidadosamente ensayado pero aparentemente espontáneo en el escenario los convirtieron en un éxito instantáneo con los patrocinadores del club, y el compromiso se prolongó hasta seis meses. [15]

Durante este período, Werber aprovechó la popularidad local del Kingston Trio para tratar de generar interés en las compañías discográficas. Después de varios comienzos en falso, el grupo consiguió un contrato con Capitol Records, grabando su primer álbum en tres días en febrero de 1958. [15] El productor era el ya legendario (de las sesiones del Capitolio de Frank Sinatra en la década de 1950) Voyle Gilmore, quien hizo dos inmediatos y decisiones fatídicas. Gilmore insistió en que el sonido acústico del trío tiene más un "fondo" y agregó un bajista a las grabaciones. También decidió que el grupo debería grabarse sin instrumentación orquestal adicional, algo inusual para la época en que ambas decisiones llegaron a caracterizar casi todas las grabaciones y presentaciones en vivo posteriores del Kingston Trio. [dieciséis]

El álbum El trío de Kingston fue lanzado en junio de 1958 al mismo tiempo que el grupo comenzaba un largo compromiso en el club nocturno Hungry i más prominente de San Francisco. El álbum incluía el número que se convirtió en la canción insignia de Shane, "Scotch and Soda", un trabajo de guitarra potente y rítmico de Shane en todo momento, y una oscura balada asesina de Carolina del Norte, "Tom Dooley", en la que Shane cantaba como protagonista.

En el verano de 1958, mientras Shane y el Trio actuaban en el Royal Hawaiian Hotel en Honolulu, el disc jockey Paul Colburn en Salt Lake City comenzó a tocar el corte de "Tom Dooley" del álbum en el aire, y DJs en Miami y a nivel nacional. hizo lo mismo. [17] La ​​respuesta popular obligó al reticente departamento de marketing de Capitol Records a lanzar la canción como sencillo el 8 de agosto de 1958. [17] Se disparó al número 1 en las listas de Billboard y Variety, vendiendo un millón de copias antes de la Navidad de 1958 y ganando el Kingston Trio tanto su primero de ocho discos de oro como de dos premios Grammy. [18]

Esto marcó el comienzo de una era de notable éxito como acto de grabación y actuación para Shane and the Trio. Solo en 1959, el grupo lanzó cuatro álbumes, tres de los cuales alcanzaron el estatus # 1 y los cuatro estaban en el Top Ten de Billboard en diciembre de 1959, una hazaña igualada solo por los Beatles. Trece de sus álbumes se ubicaron en el Top Ten de Billboard, cinco de ellos llegaron al # 1 y el primer álbum permaneció en las listas durante 195 semanas. [19] Media docena de sencillos también se ubicaron en el Top 100. El grupo tocó en más de doscientas fechas por año durante varios años, siendo pionero en el circuito de conciertos universitarios y apareciendo en la mayoría de los mejores clubes nocturnos, festivales y anfiteatros del país. [20]

Sin embargo, fue durante este período que el conflicto comenzó a hervir a fuego lento entre los amigos de la escuela secundaria, Shane y Guard. Las disputas sobre la dirección musical del Kingston Trio y los desacuerdos sobre las finanzas y los derechos de autor son las causas más citadas en la decisión de Guard en la primavera de 1961 de abandonar lo que en ese momento era el grupo más popular de la música estadounidense. [21] Shane, Reynolds y Werber compraron el interés de Guard en la sociedad y se movieron rápidamente para encontrar un reemplazo, decidiéndose por John Stewart, un joven intérprete y compositor de folk que había escrito varias canciones que el trío ya había grabado. El Shane, Reynolds y Stewart Kingston Trio permanecieron juntos durante otros seis años, lanzando nueve álbumes más en Capitol y obteniendo una serie de sencillos de éxito en el Top 40 hasta que las ventas de discos disminuyeron como resultado de la desaparición del boom del folk popular y el auge de la música de Capitol. Los grandes actos de los Beach Boys y los Beatles llevaron al grupo a mudarse a Decca Records. Lanzaron cuatro álbumes más antes de disolverse como acto tras un compromiso final en el Hungry i en junio de 1967. [22]

Shane no había estado a favor de la disolución del Kingston Trio, tanto porque sentía que el Trio podía adaptarse a los gustos musicales cambiantes como porque para entonces se había convertido en un artista consumado y un astuto comercializador. Decidiendo permanecer en el negocio del entretenimiento, Shane experimentó tanto con el trabajo en solitario (grabó varios sencillos, incluida una versión de la canción "Honey" que más tarde se convirtió en un millón de ventas para Bobby Goldsboro) [23] y con diferentes configuraciones con otras personas -intérpretes orientados.

En 1969, pidió permiso a Reynolds y Werber, todavía sus socios, para ceder el nombre del grupo. Asintieron con la condición de que Shane reuniera un grupo de calidad musical comparable a las dos configuraciones originales y que se agregara "Nuevo" al nombre. Shane organizó dos comparsas bajo el nombre de "The New Kingston Trio". El primero consistió en el guitarrista Pat Horine y el banjoista Jim Connor además de Shane y duró desde 1969 hasta 1973, el segundo incluyó al guitarrista Roger Gambill y al banjoista Bill Zorn desde 1973 hasta 1976. Shane trató de crear un repertorio para estos grupos que incluía a los dos esperados Estándares de Kingston Trio como "Tom Dooley" y "MTA" pero también canciones más contemporáneas, incluidas melodías country y novedosas. El intento no tuvo ningún éxito significativo. Aunque ambos grupos hicieron un número limitado de grabaciones y apariciones en televisión, ninguno generó mucho interés de los fanáticos o del público en general. [24]

A finales de 1976, Bill Zorn quería seguir una carrera en solitario y abandonó el grupo en circunstancias amistosas. Para reemplazarlo, Shane encontró un intérprete más joven llamado George Grove, instrumentista y cantante. Shane se dio cuenta de que el mayor activo del grupo, además de su voz y su presencia como miembro fundador, era el nombre mismo. En consecuencia, compró los derechos del nombre Kingston Trio directamente de Reynolds y Werber, y todas las iteraciones posteriores de la compañía de Shane desde finales de 1976 se conocen simplemente como Kingston Trio.

En 1981, los productores de PBS JoAnn Young y Paul Surratt le presentaron una idea a Shane: un concierto de reunión que la cadena podría usar como recaudador de fondos y que incluiría no solo al grupo actual de Shane, sino también a las reuniones en el escenario de las dos alineaciones originales de Kingston Trio con Guard y Stewart. Shane y los otros directores asintieron, y el concierto se realizó y grabó en el parque de atracciones Magic Mountain en Valencia, California en noviembre de 1981 y se transmitió por las estaciones de PBS en marzo de 1982.

A pesar de cierta tensión residual entre Guard y Shane, parte de la cual surgió en un Wall Street Journal artículo de Roy Harris sobre el evento y que resultó de los comentarios públicos hechos por Guard de que Shane se sentía menospreciado tanto a él como a su grupo actual, [25] el concierto tuvo un éxito moderado y se convirtió en un hito en la historia de Kingston Trio. Durante los siguientes nueve años, Shane y Guard se reconciliaron en gran medida. Guard sufría de cáncer, aunque aparentemente en remisión cuando Shane y Reynolds lo visitaron en New Hampshire en el verano de 1990, y los tres discutieron la posibilidad de una gira de reunión que volvería a presentar a la compañía actual de Shane (que en ese momento incluía un reencuentro). vigorizado Nick Reynolds), así como Guard y Stewart. Sin embargo, el linfoma de Guard regresó y murió en marzo de 1991. Shane fue el único miembro de cualquier configuración del Kingston Trio que cantó en el servicio conmemorativo de Guard. [26]

A lo largo de los años posteriores a la adquisición por parte de Shane del nombre Kingston Trio en 1976, el personal del grupo cambió varias veces, aunque Shane y Grove se mantuvieron constantes. Shane guió al grupo hacia un éxito que, si bien nunca fue el equivalente a la primera década del grupo, fue sin embargo constante y consistente. El Kingston Trio de Shane se basó en gran medida en una "fórmula de grandes éxitos" aumentada por una serie de otras canciones adquiridas a lo largo de los años que los fans habían aceptado como parte del repertorio del grupo.

En marzo de 2004, un mes después de cumplir 70 años, Shane sufrió un ataque cardíaco debilitante que lo obligó a retirarse de las giras y actuaciones después de 47 años en el acto. [7] Aunque Shane había planeado inicialmente regresar al grupo después de la convalecencia, el ataque fue lo suficientemente severo como para justificar la retirada permanente de Shane de actuar con el grupo que todavía poseía. Fue reemplazado por el ex miembro de New Kingston Trio, Bill Zorn.

Shane estuvo casado durante 23 años con la ex Louise Brandon, tuvieron 5 hijos y 8 nietos. [4] [7] El matrimonio terminó en divorcio y se volvió a casar en 2000 con Bobbi Childress. [7]

Murió el 26 de enero de 2020 en un centro de cuidados paliativos en Phoenix, Arizona, a la edad de 85 años. [4] [7] [27]


Música y canción folclóricas


Frank Proffitt canta y toca para Anne Warner en 1941. Elija Britches Valley,
Carolina del Norte.
(Colección Anne y Frank Warner. Foto de Frank Warner)

A partir de 1929, cuando recopiló su primera canción folclórica de su compañera de Vermont Dorothy Canfield Fisher, Helen Hartness Flanders dedicó treinta años de su vida a buscar y grabar miles de canciones folclóricas y baladas interpretadas por cantantes tradicionales de Vermont y otros estados de Nueva Inglaterra. Dijo que era "alérgica" a las baladas: cada vez que se acercaba a ellas, las oía. La historia del Archivo de Cultura Popular comienza como una historia de & ldquosong-catchers. & Rdquo

Un año antes, en 1928, cuando Robert W. Gordon llegó a la Biblioteca del Congreso como director del recién creado Archive of American Folk-Song, trajo consigo su sueño de recopilar todas las canciones populares estadounidenses. Mientras que otros coleccionistas estaban típicamente interesados ​​en encontrar ejemplos sobrevivientes de baladas inglesas y escocesas, y estaban principalmente interesados ​​en el estudio académico de los textos de las canciones, Gordon recopiló una amplia gama de canciones de una variedad de informantes. Además, Gordon hizo grabaciones de sonido de los cantantes tradicionales que encontró, con el fin de asegurar no solo los textos de las canciones, sino también sus melodías.

El folclorista de Texas John A. Lomax temía que la radio y el gramófono desanimaran a la gente de hacer su propia música, y que las canciones se olvidaran y se perdieran. Durante las décadas de 1930 y 1940 llevó una máquina de grabación por todo el sur, viajando con su hijo Alan (así como con su primera esposa, Bess, y más tarde con su segunda esposa, Ruby). Los Lomax visitaron granjas y ranchos, patios de escuelas e iglesias, clubes nocturnos y cárceles. Trabajando juntos y por separado, padre e hijo grabaron baladas de vaqueros, canciones de trabajo, canciones religiosas, gritos de campo, blues y muchas otras formas de expresión tradicional. Eran coleccionistas incansables con una extraña habilidad para encontrar cantantes tradicionales con un gran repertorio y convencerlos de cantar y tocar para la incómoda máquina cortadora de discos que llevaban consigo.

La beca de baladas en los Estados Unidos tiene su origen en Francis James Child, del Departamento de Inglés de Harvard & rsquos. Child era el editor de Las baladas populares inglesas y escocesas (1882 y ndash 84). Los estudios de folclore se asocian con frecuencia con departamentos de inglés, y los profesores de inglés de Harvard George Lyman Kittredge y Barrett Wendell alentaron a Robert Gordon y John Lomax a seguir su interés en la canción popular.Pero la mayoría de los cantores estadounidenses, que explotaron sucesivas tecnologías de grabación comenzando con la máquina de cilindros de cera de Edison & rsquos, eran más que eruditos literarios. Creían que su trabajo tenía una importancia moral que trascendía el estudio académico.


Walking for Dat Cake Songster, & quot que contiene una colección completa de nuevas canciones, bromas, discursos de tocón, que han convertido a Harrigan & amp Hart en los campeones del día, entre los que se encontrarán las siguientes canciones. . . '' Compilado por Edward Harrington y Tony Hart (Nueva York: A.J. Fisher, 1877).
(Colección Robert W. Gordon Songster)


Deslizándose por el arroyo Songster.
(Colección Robert W. Gordon Songster)


Myrtle B. Wilkinson toca el banjo tenor, Turlock, California, 1939.
(Colección WPA California Folk Music Project. Fotógrafo desconocido)

Operando por motivos similares a los de otros etnógrafos, Frances Densmore, Helen Heffron Roberts, Willard Rhodes y otros documentaron la música de los nativos americanos, temiendo que los indios americanos desplazados de sus tierras también estuvieran en peligro de perder su cultura. La grabación de sonido fue especialmente importante para este trabajo, ya que los textos de las canciones indias con frecuencia no se componen de palabras que se encuentran en el lenguaje hablado del cantante y rsquos, sino de vocablos, sílabas no léxicas, como Oye o n / A, que caen en patrones moldeados por consideraciones lingüísticas, de géneros musicales y musicales.

Los cantantes tradicionales (o músicos o narradores) son aquellos que han aprendido su arte de manera informal, dentro del contexto de la familia, tribu, comunidad u otro grupo muy unido. Muchas canciones tradicionales se han cantado dentro de la misma familia o grupo folclórico durante generaciones y, a veces, se remontan a lugares de origen como Gran Bretaña, Europa o África. En algún momento, la canción habría sido compuesta por una sola persona, pero es posible que ese autor ya no sea conocido. La mayoría de las canciones populares cambian con el tiempo, en mayor o menor medida, a medida que se transmiten de persona a persona y surgen múltiples variantes.

En algunos contextos, las canciones tradicionales son una parte integral de la vida diaria, y se interpretan canciones particulares para acompañar actividades particulares asociadas con el trabajo, la celebración religiosa u ocasiones sociales. Las baladas angloamericanas a menudo ofrecen cuentos de advertencia y lecciones morales, advirtiendo a las mujeres jóvenes sobre las tentaciones de los pretendientes melosos y advirtiendo a los hombres sobre las artimañas de las mujeres infieles. Las chabolas marinas y las canciones del ferrocarril pueden funcionar para aliviar la carga de las tareas rutinarias y proporcionar un ritmo que ayude a los trabajadores a desempeñarse en equipo. Las canciones de cuna unen a la madre y el niño, y las canciones y la música de todo tipo interpretadas en el contexto de la familia ayudan a unir una generación a la siguiente.

Desde 1976, cuando se creó el American Folklife Center, las colecciones de Folk Archive & rsquos han crecido enormemente, tanto en número de artículos como en amplitud de cobertura, para incluir una amplia gama de expresiones de la vida folclórica. Pero la actividad emblemática en el centro & rsquos Folklife Reading Room, donde los investigadores vienen a utilizar los materiales, implica escuchar las colecciones incomparables de música y canciones folclóricas, realizadas principalmente en el campo, de los Estados Unidos y de todo el mundo. Los investigadores vienen a escuchar y estudiar interpretaciones tradicionales de baladas angloamericanas o blues afroamericano, canciones de trabajo y música de iglesia. Escuchan canciones de ferrocarriles, canciones de vaqueros, canciones de los mineros del carbón y cánticos marinos, o música de los nativos americanos de tribus de toda América del Norte. Estudian música tradicional de África, América Central y del Sur, Oriente Medio, Europa, Asia del Sur, el Pacífico y otras partes del mundo.


John Galusha, conocido como Yankee John, a los ochenta y un años. Minerva, Nueva York, 1940.
(Colección de Anne y Frank Warner. Fotografía de Frank Warner)


Chicas mexicanas cantan para una grabación de la Biblioteca del Congreso,
San Antonio, Texas, 1934.
(División de Grabados y Fotografías.
Foto de Alan Lomax)


Wes Noel toca el violín
Elk Springs, Misuri.
(Colección Vance Randolph.
Foto de Vance Randolph
)


Póster para una actuación de Jim Garland, en la 13th Avenue Gallery, 1963.
(Colección de carteles del American Folklife Center)


Will Neal toca un violín en el campo de trabajo migratorio Arvin, California, alrededor de 1940.
(Colección de Trabajadores Migrantes Charles L. Todd y Robert Sonkin. Foto de Robert Hemming )


Músicos de la tribu Haha, de Tamanar, tocan el bendir (un tambor en forma de tamborine) y el aouada (una flauta de lengüeta larga), mientras Paul Bowles los graba.
Essaouira, Marruecos, 8 de agosto de 1959.
(Colección de música marroquí de Paul Bowles. Fotógrafo desconocido)


Página escrita a mano de los cuadernos de Helen Heffron Robert's Round Valley, California, 1926, que contiene transcripciones de dos canciones de Konkow Burning Ceremony Cry de grabaciones de cilindros de cera hechas por la Sra. Jim Stevens.
(Colección Helen Heffron Roberts)


Página escrita a mano de los cuadernos de Helen Heffron Robert's Round Valley, California, 1926, que contiene una transcripción de una canción de Grass Game del área de Maidu grabada por Anna Feliz.
(Colección Helen Heffron Roberts)


La etnomusicóloga Vida Chenoweth entrevista a Taaqiy & aacutea, su principal colaborador de música y texto Kaag & uacute Usarufa, Papua, Nueva Guinea, 1967.
(Colección Vida Chenoweth. Fotógrafo desconocido )


Los músicos portugueses de fado Duarte Tavares y Olivete Maria Poulart actúan en el restaurante IV Seasons, Lowell, Massachusetts, el 14 de noviembre de 1987.
(Colección del proyecto Lowell Folklife. Foto de John Lueders-Booth)


Contenido

Gottlieb, recién obtenido su doctorado en musicología, estaba entre el público cuando Alex Hassilev y Glenn Yarbrough aparecieron en el escenario para cantar a dúo juntos. Gottlieb, quien entonces trabajaba como arreglista para The Kingston Trio, originalmente pensó que "estos dos tipos" podrían ayudarlo a hacer algunas demos para el Trio.

Pronto, empacaron y se dirigieron a Aspen, Colorado, para trabajar en un club llamado "The Limelite", [2] que Yarbrough y Hassilev habían comprado después de cantar allí durante la temporada de esquí anterior. [1] Después de un breve período de perfeccionamiento de su acto, partieron hacia la "i hambrienta" en San Francisco, que en ese momento era el centro neurálgico de California para el creciente movimiento folclórico contemporáneo. [2] El propietario acababa de tener un grupo con tres nombres largos juntos y no estaba dispuesto a poner "Yarbrough, Hassilev y Gottlieb" en la marquesina. Pero el grupo aún no se había decidido por un nombre. Eligieron "The Limeliters".

Su éxito fue inmediato. Solo dos días después de su debut profesional, el grupo recibió ofertas de tres compañías discográficas. A principios de 1960 lanzaron su primer álbum sobre Elektra. Poco después firmaron con RCA Victor y siguieron una serie de álbumes más vendidos.

Nunca tuvieron un verdadero éxito en las listas de éxitos, fueron bien conocidos por su repertorio de canciones conmovedoras, como "Hay un encuentro aquí esta noche", "Ciudad de Nueva Orleans", "A Dollar Down" (su único sencillo en las listas de éxitos, alcanzando el puesto # 60 en 1961), "Have Some Madeira M'Dear", "Lonesome Traveller", "Wabash Cannonball", "Whisky in the Jar" y muchos otros que se interpretan en sus más de 25 álbumes y en sus conciertos.

El álbum de los Limeliters Esta noche: en persona alcanzó el número 5 en Billboard en 1961, [1] y estuvo en las listas de Estados Unidos durante 74 semanas. La reedición en 1961 de su anterior álbum Elektra llegó al top 40 y pasó 18 semanas en las listas. Su tercer lanzamiento, Los Limeliters ligeramente fabulosos, se ubicó entre los diez primeros en el mismo año, [1] registrando durante 36 semanas. Otro álbum con poder de permanencia fue una de canciones populares para niños de todas las edades, A través de los ojos de los niños. Permaneció registrado durante 29 semanas y alcanzó su punto máximo en el puesto 25.

El grupo mantuvo una carga de trabajo agitada durante su pico de popularidad. Además de las numerosas grabaciones, hicieron numerosas apariciones en televisión, y sus apariciones personales totalizaron más de 300 actuaciones al año. [3] Durante tres años, The Limeliters fueron los representantes musicales de Coca-Cola. Su interpretación del jingle, "Las cosas van mejor con Coca-Cola" se convirtió en un éxito nacional. El grupo también realizó trabajos comerciales para cigarrillos L & ampM.

En 1963 cantaron varias canciones para la película. McLintock!.

La carrera del grupo casi llegó a su fin cuando sufrieron un accidente aéreo en Provo, Utah, mientras estaban de gira. [3]

Yarbrough dejó el grupo en 1963. [1] Gottlieb y Hassilev continuaron los Limeliters pero solo como un acto de grabación, reclutando al ex tenor de Gateway Singers Ernie Sheldon [3] (r.n. Ernest Lieberman) como reemplazo de Yarbrough. Sheldon escribió la letra de lo que se convirtió en el mayor éxito en solitario de Yarbrough, "Baby the Rain Must Fall". [1]

Cuando el contrato de RCA Victor del trío expiró en 1965, Gottlieb y Hassilev retiraron formalmente el acto. Para entonces Yarbrough era un solista de éxito en discos y conciertos. Hassilev se convirtió en productor con su propio estudio de grabación y planta de prensado, mientras que Gottlieb dirigía Morningstar Commune en un rancho que compró cerca de San Francisco.

El grupo se volvió a formar brevemente en 1968 para grabar un álbum para Warner Bros. Records. [3]

Durante la década de 1970, los Limeliters se embarcaron en una serie de giras anuales de reunión con Yarbrough. Stax Records lanzó una grabación de reunión en 1974, [3] y en 1976 el grupo lanzó dos álbumes de conciertos en su propio Brass Dolphin Records. Fueron tan exitosos que en 1981, Hassilev y Gottlieb decidieron reformar el grupo y volver a la corriente principal del entretenimiento. Con la incorporación del tenor Red Grammer y John David [3] empezaron a actuar de nuevo.

Después de ocho años productivos, Grammer dejó el grupo para seguir una carrera en solitario como artista infantil. En 1990, fue reemplazado por otro tenor, Rick Dougherty, cuya amplia experiencia musical y brillante presencia en el escenario aportaron otra nueva dimensión al grupo.

La muerte de Gottlieb en 1996 vio su papel de barítono alto asumido por un ex miembro del Kingston Trio, Bill Zorn.

En 2003, Zorn y Dougherty dejaron el grupo para unirse a The Kingston Trio (hasta 2017) y a principios de 2004, el tenor Mack Bailey y el cómico barítono Andy Corwin se unieron al grupo. [3] En 2006, Hassilev se retiró y dejó la banda. Poco después, Gaylan Taylor se unió en 2006. En 2012, Don Marovich se unió a los Limeliters. En 2019 se unió al Kingston Trio. [ cita necesaria ]

La banda está de gira en 2019. [4]

Glenn Yarbrough murió por complicaciones de la demencia en Nashville, Tennessee, el 11 de agosto de 2016, a la edad de 86 años. [5]


Fundado por Randy Sparks en 1961, este grupo contribuyó con "Green, Green" en 1963 de su álbum Ramblin '. Los miembros del grupo cambian con regularidad, prácticamente con cada gira. En 2008, había alrededor de 300 de ellos. Todavía están de gira en 2017.

Odetta Holmes ha sido llamada la "Voz del Movimiento de Derechos Civiles". Martin Luther King Jr. una vez la coronó como la reina de la música folclórica estadounidense. Sus contribuciones a los años 60 incluyen:

  • Esta pequeña luz mía
  • Mule Skinner Blues
  • Tiene el mundo entero en sus manos

Contenido

Las definiciones de "música popular contemporánea" son generalmente vagas y variables. [3] Aquí, se entiende toda la música que se llama folk que no es música folclórica tradicional, un conjunto de géneros que comenzó y luego evolucionó a partir del resurgimiento del folk de mediados del siglo XX. Según Hugh Blumenfeld, para la escena folclórica estadounidense: [4]

  • En general, es angloamericana, adoptando música acústica y / o basada en la tradición del Reino Unido y los Estados Unidos.
  • Musicalmente, es principalmente europeo occidental en sus orígenes lingüísticos, es predominantemente basado en el inglés. Otros modos y lenguajes musicales, correcta o incorrectamente, tienden a separarse y agruparse en "Música del mundo", incluso si se consideran tradicionales dentro de sus respectivas culturas.
  • Las pocas excepciones a este modelo se derivan principalmente de las condiciones políticas / históricas predominantes en el mundo angloamericano y la demografía de los fanáticos del folk: música celta, blues, algo de música de América Central y del Sur, música de los nativos americanos y Klezmer. [4]

Este es el uso común del término "música folclórica contemporánea", pero no es el único caso de evolución de nuevas formas a partir de las tradicionales.

La música country contemporánea desciende en última instancia de una tradición folklórica rural estadounidense, pero ha evolucionado de manera diferente. La música Bluegrass es un desarrollo profesional de la música antigua estadounidense, mezclada con blues y jazz swing gitano.

Mientras que el nacionalismo romántico del renacimiento popular tuvo su mayor influencia en la música artística, el "segundo renacimiento popular" de finales del siglo XX trajo un nuevo género de música popular con artistas comercializados a través de conciertos, grabaciones y retransmisiones. Este es el género que permanece como "música folclórica contemporánea" incluso cuando la música tradicional se considera un género separado. Una de las primeras figuras de este renacimiento fue Woody Guthrie, quien cantó canciones tradicionales en las décadas de 1930 y 1940, además de componer las suyas propias. Entre los amigos y seguidores de Guthrie como coleccionista, intérprete y compositor se encontraba Pete Seeger.

En la década de 1930, Jimmie Rodgers, en la década de 1940 Burl Ives, a principios de la década de 1950 el grupo de Seeger The Weavers y Harry Belafonte, y a fines de la década de 1950 el Kingston Trio, así como otros grupos profesionales y comerciales, se hicieron populares. Algunos que definieron la comercialización como el inicio de esta fase consideran el éxito comercial Tom Dooley por el Kingston Trio en 1958 como marcando el comienzo de esta era. [3] En 1963-1964, la cadena de televisión ABC transmitió el Hootenanny serie de televisión dedicada a esta marca de música folclórica y también publicó la revista asociada ABC-TV Hootenanny. A partir de 1950, la ¡Gritar!, Costado, y La revisión de Little Sandy las revistas ayudaron a difundir tanto canciones tradicionales como compuestas, al igual que las compañías discográficas orientadas al renacimiento del folk.

En el Reino Unido, el resurgimiento del folk fomentó a artistas jóvenes como los Watersons, Martin Carthy y Roy Bailey y una generación de cantautores como Bert Jansch, Ralph McTell, Donovan y Roy Harper, los siete lograron prominencia inicial en la década de 1960. Bob Dylan, Paul Simon y Tom Paxton visitaron Gran Bretaña durante algún tiempo a principios de la década de 1960, y los dos primeros hicieron uso posterior del material tradicional en inglés que escucharon.

En 1950, el destacado folclorista estadounidense y coleccionista de canciones tradicionales Alan Lomax llegó a Gran Bretaña y conoció a A. L. 'Bert' Lloyd y Ewan MacColl, una reunión a la que se atribuye la inauguración del segundo renacimiento popular británico. En Londres, los colegas abrieron el Ballads and Blues Club, eventualmente rebautizado como Singers 'Club, posiblemente el primer club de folk en el Reino Unido que cerró en 1991. A medida que la década de 1950 avanzó hacia la de 1960, el movimiento de resurgimiento del folk ganó impulso tanto en Gran Bretaña como en America.

En gran parte de las zonas rurales de Canadá, la música tradicional y folklórica fueron los estilos de música predominantes hasta la década de 1950, por delante incluso del jazz y el swing de popularidad mundial. La gente tradicional tomó este predominio en la televisión canadiense temprana con muchos programas de temática rural en sus primeras ondas de radio. Todo alrededor del círculo (1964-1975) mostró la música tradicional derivada de Irlanda e Inglaterra de Terranova, por ejemplo. Pero, con mucho, el más importante de ellos fue Jubileo de Don Messer (1957-1973), que ayudó a cerrar la brecha entre la gente del campo y el resurgimiento popular que estaba emergiendo de las cafeterías urbanas y los clubes folclóricos. El espectáculo ayudó a lanzar las carreras de los cantantes de folk country Stompin 'Tom Connors y Catherine McKinnon.

El resurgimiento del folk generó la primera ola folclórica de Canadá de artistas de éxito internacional como Gordon Lightfoot, Leonard Cohen, Ian & amp Sylvia, Neil Young, Joni Mitchell y Buffy Sainte-Marie. [5] Al mismo tiempo, los cantautores de folk de Quebec como Gilles Vigneault y grupos como La Bottine Souriante estaban haciendo lo mismo en el mundo de habla francesa. Los artistas folclóricos canadienses de habla inglesa tendieron a mover a los Estados Unidos para buscar audiencias más grandes hasta la introducción de las reglas del llamado "contenido canadiense" para la radio y la televisión en la década de 1970. Al mismo tiempo, la música folclórica canadiense se volvió más formalizada y comercializada con el surgimiento de festivales folclóricos especializados (comenzando con el Festival Miramichi Folksong Festival en 1958), mayor difusión de radio en estaciones de radio de rock, pop y fácil de escuchar, la introducción de Juno Premio al Artista Folklórico del Año en 1971, e incluso una revista académica Revista de música folclórica canadiense en 1973. A mediados y finales de la década de 1960, las formas de fusión del folk (como el folk rock) alcanzaron una prominencia nunca antes vista por la música folclórica, pero principios de la década de 1960 fueron quizás el cenit de la prominencia de la música folk sin fusión en la escena musical.

Durante la Depresión, la música folclórica reflejó las realidades sociales de la pobreza y el desempoderamiento de la gente común a través de letras vernáculas que expresan las duras realidades de los tiempos difíciles y la pobreza. A menudo, las canciones recién compuestas en estilo tradicional por escritores como Guthrie también presentaban un tono humorístico y satírico. La mayoría de la audiencia de la música folclórica en esos años era parte de la clase trabajadora, y muchas de estas canciones expresaban resistencia al orden social y enojo hacia el gobierno. [6]

Principales intérpretes de música folclórica que surgieron durante las décadas de 1940, 1950 y principios de la de 1960 Editar

Estos incluyen los siguientes:

    (1912-1967) fue un cantautor y músico folclórico estadounidense, cuyo legado musical incluye cientos de canciones políticas, tradicionales e infantiles, baladas y obras improvisadas. [7] Con frecuencia actuaba con el lema Esta máquina mata a los fascistas que se muestra en su guitarra. Su canción más conocida es "This Land Is Your Land". Muchas de sus canciones grabadas están archivadas en la Biblioteca del Congreso. [8] En la década de 1930, Guthrie viajó con trabajadores migrantes de Oklahoma a California mientras aprendía, reescribía e interpretaba canciones tradicionales de folk y blues en el camino. Muchas de las canciones que compuso fueron sobre sus experiencias en la era Dust Bowl durante la Gran Depresión, lo que le valió el apodo de "Dust Bowl Balladeer". [9] A lo largo de su vida, Guthrie estuvo asociado con grupos comunistas de Estados Unidos, aunque nunca se unió formalmente al Partido. [10] Guthrie fue el padre del músico folclórico estadounidense Arlo Guthrie. Durante sus últimos años, Guthrie se desempeñó como figura decorativa en el movimiento folklórico, proporcionando inspiración a una generación de nuevos músicos populares, incluidas las relaciones de mentores con Ramblin 'Jack Elliott y Bob Dylan. Compositores como Bob Dylan, Phil Ochs, Bruce Springsteen, Pete Seeger, Joe Strummer y Tom Paxton han reconocido su deuda con Guthrie como una influencia. Los miembros de Almanac Millard Lampell, Lee Hays, Pete Seeger y Woody Guthrie comenzaron a tocar juntos de manera informal en 1940.Los Almanac Singers se formaron en diciembre de 1940.[10] Ellos inventaron un estilo de actuación dinámico y enérgico, basado en lo que sentían que era lo mejor de la música de banda de cuerdas country estadounidense, en blanco y negro. Evolucionaron hacia música de actualidad controvertida. Dos de los miembros regulares del grupo, Pete Seeger y Lee Hays, más tarde se convirtieron en miembros fundadores de The Weavers. - cuando era joven, Ives abandonó la universidad para viajar como cantante itinerante a principios de la década de 1930, ganándose el camino haciendo trabajos ocasionales y tocando el banjo y la guitarra. En 1930, tuvo una breve carrera en la radio local en la radio WBOW en Terre Haute, Indiana, y en la década de 1940 tuvo su propio programa de radio, titulado El forastero caminante, titulado después de una de las baladas populares que cantó. El programa fue muy popular, y en 1946 Ives fue elegido como un vaquero cantante en la película. Ahumado. Ives también pasó a interpretar papeles en otras películas populares. Su primer libro, El forastero caminante, fue publicado en 1948. [11] conoció y fue influenciado por muchos músicos populares importantes (y cantautores con raíces populares), especialmente Woody Guthrie y Lead Belly. [7] Seeger estuvo involucrado en el movimiento laboral, y conoció a Guthrie en un concierto de trabajadores migrantes de "Grapes of Wrath" el 3 de marzo de 1940, y los dos comenzaron una colaboración musical (que incluía a los Almanac Singers) y luego formaron The Weavers. . Como compositor, Seeger fue autor o coautor de "Where Have All the Flowers Gone?", "If I Had a Hammer (The Hammer Song)", (compuesta con Lee Hays de los Weavers) y "Turn, Turn, Turn ! ", los tres de los cuales han sido grabados por muchos artistas tanto dentro como fuera del movimiento de resurgimiento popular y todavía se cantan en todo el mundo. En 1948, Seeger escribió la primera versión de su ahora clásico Cómo tocar el banjo de cinco cuerdas, un libro instructivo que muchos músicos de banjo atribuyen al inicio con el instrumento. Ha grabado, cantado y actuado durante más de setenta años y se ha convertido en la fuerza más poderosa del resurgimiento del folk estadounidense después de Guthrie. [12]
    (1898-1975), fue un compositor de música folclórica de temática histórica. Sus composiciones fueron grabadas por una variedad de artistas: la música de Schmertz ha sido versionada por Pete Seeger, quien llamó a Schmertz un "muy buen compositor", [13] Burl Ives, Tennessee Ernie Ford, [13] Bill y Gloria Gaither, The Statler Brothers , The Cathedrals, Dailey & amp Vincent, River City Brass Band y Ernie Haase & amp Signature Sound. [14] fueron formados en 1947 por Pete Seeger, Ronnie Gilbert, Lee Hays y Fred Hellerman. Después de debutar en el Village Vanguard de Nueva York en 1948, fueron descubiertos por el arreglista Gordon Jenkins y firmaron con Decca Records, lanzando una serie de sencillos exitosos pero muy orquestados. [15] Las asociaciones políticas del grupo en la era del Red Scare los obligaron a separarse en 1952 y se volvieron a formar en 1955 con una serie de exitosos conciertos y grabaciones de álbumes en Vanguard Records. Un quinto miembro, Erik Darling, a veces se sentaba con el grupo cuando Seeger no estaba disponible y finalmente reemplazó a Seeger en los Weavers cuando este último renunció al cuarteto en una disputa sobre su comercialismo en general y su acuerdo específico para grabar un comercial de cigarrillos. [16], [7] cantante pop, activista. En 1952, firmó un contrato con RCA Victor. Su álbum revolucionario Calipso (1956) fue el primer LP en vender más de un millón de copias. El álbum pasó 31 semanas en el número uno en las listas de Estados Unidos. Introdujo al público estadounidense a la música pop Calypso y Belafonte fue apodado el "Rey de Calypso". Belafonte pasó a grabar en muchos géneros, incluyendo pop Calypso, folk americano, gospel y más.
    - En 1959, Belafonte protagonizó Esta noche con Belafonte un especial televisado a nivel nacional que presentó a Odetta en su debut a una audiencia en horario estelar. Ella cantó Chico de agua y realizó un dúo con Belafonte de Hay un agujero en mi cubo que llegó a las listas nacionales en 1961. [17] En 1953 los cantantes Odetta y Larry Mohr grabaron un LP que fue lanzado en 1954 como Odetta y Larry, un álbum que fue parcialmente grabado en vivo en el bar Tin Angel de San Francisco. Odetta disfrutó de una carrera larga y respetada con un repertorio de canciones tradicionales y blues hasta su muerte en 2009. [17] se formó en 1957 en el área de Palo Alto, California por Bob Shane, Nick Reynolds y Dave Guard, quienes acababan de salir. de la universidad. Fueron muy influenciados por los Weavers, los sonidos del calipso de Belafonte y otros artistas folclóricos semi-pop como los Gateway Singers [7] y los Tarriers. La popularidad sin precedentes y las ventas de álbumes de este grupo desde 1957 hasta 1963 (incluidos catorce LP del top ten y cinco LP del número uno en el Cartelera charts [18]) fue un factor significativo en la creación de una audiencia comercial y convencional para la música de estilo folk donde había poco antes de su aparición. [19] El éxito del Kingston Trio fue seguido por otros actos de pop-folk de gran éxito, como los Limeliters.
    son un grupo de música folclórica estadounidense, formado en julio de 1959 por Lou Gottlieb (bajo), Alex Hassilev (barítono) y Glenn Yarbrough (tenor). [20] El grupo estuvo activo desde 1959 hasta 1965, cuando se disolvieron. Después de una pausa de dieciséis años, Yarbrough, Hassilev y Gottlieb se reunieron y comenzaron a actuar como Limeliters nuevamente. Su carrera comenzó en 1958 en Cambridge, Massachusetts, donde a los 17 años dio su primer concierto en un café. Fue invitada a actuar en el estreno del Festival de Folk de Newport en 1959 por la estrella del pop folk Bob Gibson, [20] después de lo cual a Báez a veces la llamaban "la Madonna descalza", ganando renombre por su voz clara y rango de tres octavas. Grabó su primer álbum para Vanguard Records al año siguiente, una colección de lamentos y baladas folclóricas tradicionales de las Islas Británicas, que acompañaban las canciones con guitarra. Su segundo lanzamiento de LP fue dorado, al igual que sus próximos álbumes (en vivo). Un disco presentaba su interpretación de una canción del entonces desconocido Bob Dylan. A principios de la década de 1960, Báez se trasladó a la vanguardia del resurgimiento de la música folclórica estadounidense. Cada vez más, sus convicciones personales (paz, justicia social, lucha contra la pobreza) se reflejaban en las canciones de actualidad que formaban una parte cada vez mayor de su repertorio, hasta el punto de que Báez se convirtió en un símbolo de estas preocupaciones particulares. comenzó en 1959 y surgió a principios de la década de 1960. El grupo interpretó una mezcla de canciones tradicionales con arreglos creativos y números contemporáneos que con frecuencia incluían connotaciones satíricas y políticas. era un grupo de "folk colegiado" de principios de la década de 1960 que se originó en la Universidad Wesleyan y tenía un Cartelera éxito número uno en 1961 con "Michael", una versión de la espiritualidad afroamericanaMichael, rema el bote a tierray otro Top 20 en 1962 con "Cottonfields". "Michael" vendió más de un millón de copias y fue galardonado con un disco de oro. [21] [22] son ​​un grupo de música folclórica fundado por Randy Sparks en 1961. [23] Grabaron más de 20 álbumes y tuvieron varios éxitos, incluidos "Green, Green", "Saturday Night", "Today", "Denver" y "Esta tierra es tu tierra". Su álbum debut de 1962, Presentando los nuevos juglares de Christy ganó un premio Grammy y se sentó en el Cartelera gráficos durante dos años. [24] fueron un trío de canto folk progresivo estadounidense a principios de la década de 1960, más conocido por el exitoso disco "Walk Right In".
  • The Serendipity Singers era un grupo de nueve miembros que comenzó en la Universidad de Colorado y se hizo conocido a nivel nacional en 1964 por un enfoque de la música folclórica fuertemente influido por el pop. a menudo actuó y, a veces, realizó giras con Joan Baez, comenzando cuando era cantante de canciones en su mayoría tradicionales. Cuando Báez adoptó algunas de las canciones de Dylan en su repertorio e incluso presentó a Dylan a su ávido público, un gran número de seguidores en el circuito folk, ayudó a la joven compositora a ganar reconocimiento inicial. Cuando Dylan grabó su primer LP (1962), había desarrollado un estilo que recordaba a Woody Guthrie. [25] Comenzó a escribir canciones que capturaban el estado de ánimo "progresista" en los campus universitarios y en las cafeterías. Aunque en 1964 había muchos cantantes / compositores nuevos que tocaban la guitarra, es discutible que Dylan finalmente se convirtiera en el más popular de estos jóvenes intérpretes de resurgimiento de la música folclórica. Debutó a principios de la década de 1960 y fue un trío estadounidense que finalmente se convirtió en uno de los actos musicales más importantes de la década de 1960. El trío estaba compuesto por Peter Yarrow, Paul Stookey y Mary Travers. Fueron uno de los principales portadores de la antorcha de la música popular de la música de comentario social en la década de 1960. [20] A medida que pasó la década, su música incorporó más elementos de pop y rock. debutó a principios de la década de 1960. Al principio, cantaba canciones populares tradicionales o canciones escritas por otros, en particular los compositores de protesta de la época, como Tom Paxton, Phil Ochs y Bob Dylan. También grabó sus propias versiones de importantes canciones de la época, como "Mr. Tambourine Man" de Dylan, "Turn, Turn, Turn" de Pete Seeger y "Thirsty Boots" de Eric Andersen. , un grupo de música popular y popular australiana, se formó en 1962. Se mudaron al Reino Unido en 1963 y combinaron música tradicional, música folclórica contemporánea y pop. Los buscadores gozaron de gran popularidad en el mundo de habla inglesa con éxitos como "Sé que nunca encontraré a otro tú", "Un mundo propio" y "Georgy Girl".
  • El dúo canadiense de Ian Tyson y Sylvia Fricker, interpretando a Ian & amp Sylvia, lanzó su primer álbum en 1963. El dúo presentó una mezcla creativa de canciones folclóricas tradicionales estadounidenses y canadienses en inglés y francés, así como composiciones de cantautores contemporáneas de Dylan. y Paxton, y temas que ellos mismos compusieron como "Four Strong Winds" y "Someday Soon" de Tyson y "You Were On My Mind" de Fricker. , Neil Young comenzó su carrera en la década de 1960. Junto con Dewey Martin, formaron Buffalo Springfield. Una mezcla de folk, country, psicodelia y rock, con un toque duro de las guitarras solistas gemelas de Stills y Young, hizo de Buffalo Springfield un éxito de crítica y su primer disco. Buffalo Springfield (1966) se vendió bien después de que la canción de actualidad de Stills, "For What It's Worth", se convirtiera en un éxito, con la ayuda de los armónicos melódicos de Young tocados con la guitarra eléctrica.

Desde mediados de la década de 1960 hasta principios de la de 1970 Editar

Los grandes cambios musicales, políticos, de estilo de vida y de contracultura más asociados con "los sesenta" ocurrieron durante la segunda mitad de la década y el primer o segundo año de la de los setenta. Al mismo tiempo, la música folclórica experimentó una rápida evolución, expansión y diversificación. Se produjeron cambios importantes a través de la evolución de artistas consagrados como Bob Dylan, Joan Baez, Judy Collins, The Seekers y Peter Paul and Mary, y también a través de la creación de nuevos géneros de fusión con el rock y el pop. Gran parte de esta evolución comenzó a principios de la década de 1960 y adquirió prominencia a mediados y finales de la década de 1960. Un "crisol" de rendimiento para esta evolución fue el Greenwich Village de Nueva York. El uso de instrumentos eléctricos por parte de Dylan ayudó a inaugurar los géneros de folk rock y country rock, particularmente por su álbum. John Wesley Harding. [26] [27]

Estos cambios supusieron un nuevo alejamiento de la música folclórica tradicional. The Byrds con éxitos como "Turn! Turn! Turn!" De Seeger eran emblemáticos de un nuevo término folk rock. Barry McGuire dejó los New Christy Minstrels y grabó "Eve of Destruction" en 1965. [28] Otros artistas como Simon & amp Garfunkel y The Mamas & amp the Papas crearon música nueva, difícil de clasificar, con inflexiones folklóricas y a menudo incluidas en discusiones de folk rock. [26] [29]

Durante este período, el término "música de protesta" se usó a menudo para caracterizar la música folclórica con temas políticos de actualidad. La convergencia del movimiento por los derechos civiles y la música folclórica en el campus universitario llevó a la popularidad de artistas como Bob Dylan y su estilo de música de protesta. [30] Mientras cantantes y compositores populares como Phil Ochs, Buffy Sainte-Marie, Arlo Guthrie y Tom Paxton siguieron los pasos de Woody Guthrie, escribieron "música de protesta" y canciones de actualidad y expresaron su apoyo a diversas causas, incluido el Movimiento de Derechos Civiles de Estados Unidos y causas antibélicas asociadas con la guerra de Vietnam. [31] Canciones como "Blowin 'in the Wind" de Dylan se convirtieron en un himno para el movimiento de derechos civiles, y cantó baladas sobre muchos otros temas de actualidad de la época, como "Hard Rain's Gonna Fall" sobre la crisis de los misiles cubanos. Se cita a Dylan diciendo que "hay otras cosas en este mundo además del amor y el sexo que también son importantes". [30] Varios artistas que habían comenzado sus carreras cantando material en gran parte tradicional, como lo tipificaron Joan Baez y Judy Collins, comenzaron a escribir su propio material.

Los artistas canadienses Gordon Lightfoot, Leonard Cohen, Bruce Cockburn y Joni Mitchell representaron tales fusiones y gozaron de gran popularidad en los Estados Unidos.Los cuatro finalmente fueron investidos con la Orden de Canadá. Muchas de las bandas de acid rock de San Francisco comenzaron tocando folk acústico y blues. Los programas de televisión de Smothers Brothers presentaban a muchos artistas populares, incluido Pete Seeger, que anteriormente estaba en la lista negra. [32]

Bonnie Koloc es una cantante y compositora de música folk estadounidense con sede en Chicago que hizo su debut discográfico en 1971. En 1968, Melanie lanzó su primer álbum en 1968 con varias canciones populares con una mezcla de folk / pop.

De mediados a finales de los años sesenta vio el desarrollo del folk rock británico, con un enfoque en canciones indígenas (europeas y, emblemáticamente, inglesas). Un momento clave del folk rock británico fue el lanzamiento del álbum de Fairport Convention. Lieja y Lief. El guitarrista Richard Thompson declaró que la música de la banda exigía un estilo "English Electric" correspondiente, mientras que el bajista Ashley Hutchings formó Steeleye Span para seguir un repertorio más tradicional interpretado en el estilo folk rock. Tras su propia salida del grupo, Thompson y su esposa Linda lanzaron seis álbumes como un dúo que integraba folk rock y art rock. El trabajo de Fairport Convention, Pentangle, Alan Stivell y Mr. Fox incluyó la lectrificación de formas musicales tradicionales.

A partir de la década de 1970, la música folclórica fue impulsada por nuevos cantautores como Steve Goodman, John Prine, Emmylou Harris, Joni Mitchell, John Denver, Harry Chapin y muchos más. En las Islas Británicas, los Pogues a principios de los ochenta y los Corrs irlandeses en los noventa trajeron de nuevo las melodías tradicionales a las listas de álbumes. Los Corrs estuvieron activos desde 1990 hasta 2006 e interpretaron música celta y pop, y crearon una mezcla de las dos. Carrie Newcomer surgió con Stone Soup en 1984 y ha estado actuando individualmente desde 1991. Brandi Carlile y Patty Griffin son artistas populares prominentes alrededor de 2019.

En la década de 1980, los Washington Squares tocaron música folclórica de "retroceso". Suzanne Vega interpretó música folklórica y de protesta. [33] Los Knitters promulgaron el cowpunk o folk punk, que eventualmente se convirtió en un país alternativo. Más recientemente, artistas como Miranda Stone y Steve Earle han adoptado y ampliado el mismo espíritu.

En la segunda mitad de la década de 1990, una vez más, la música folk tuvo un impacto en la música convencional a través de una generación más joven de artistas como Eliza Carthy, Kate Rusby y Spiers and Boden. El grupo folclórico más vendido de Canadá en las décadas de 1990 y 2000 fue el celta Great Big Sea de Terranova, teñido de rock, que ha tenido cuatro álbumes certificados como platino en Canadá.

Bandas de folk metal como Korpiklaani, Skyclad, Waylander, Ensiferum, Ithilien y Finntroll fusionan elementos de una amplia variedad de tradiciones, incluyendo en muchos casos instrumentos como violines, silbatos de hojalata, acordeones y gaitas. El folk metal a menudo favorece los temas de inspiración pagana.

El viking metal se define en su postura folk, incorporando interludios folclóricos en álbumes (por ejemplo, Bergtatt y Kveldssanger, los dos primeros álbumes de Ulver, una vez folk metal, ahora experimental banda). Mumford & amp Sons, una banda de folk rock e indie folk se formó en 2007 y alcanzó prominencia en 2010. Shenandoah Run se formó en 2011 para llevar la música folk estadounidense contemporánea de la década de 1960 a los oyentes modernos. [34]

Subgéneros de especialidad Editar

La música filk se puede considerar música folclórica estilística y culturalmente (aunque la 'comunidad' de la que surgió, el fandom de la ciencia ficción, es inusual y completamente moderna). [35] Neofolk comenzó en la década de 1980, fusionando la música folclórica europea tradicional con la música postindustrial, temas históricos, comentarios filosóficos, canciones tradicionales y paganismo. El género es mayoritariamente europeo pero también influye en otras regiones. La música folclórica pagana es prominente en Alemania, Reino Unido, países escandinavos y países eslavos con cantantes como David Smith (Aka Damh el bardo) y bandas como Danheim, Faun, Omnia, Wardruna y Arkona. La mayoría de las bandas se unen al género folk con otros géneros musicales como el metal o la electrónica. [36]

El anti folk comenzó en la ciudad de Nueva York en la década de 1980. El folk punk, conocido en sus inicios como pícaro, es una fusión de música folclórica y punk rock. Fue iniciado por la banda irlandesa con sede en Londres The Pogues en la década de 1980. La música folclórica industrial es una caracterización de la música folclórica a la que normalmente se hace referencia en otros géneros y abarca música de o sobre entornos y temas industriales, incluida la música de protesta relacionada.

Música folk electrónica Editar

Música que mezcla elementos de música popular y electrónica, o "folktronica", [37] (o "electrónica étnica") que presenta usos de instrumentos acústicos con influencias variables y elección de sonidos. [37] [38] [ verificación necesaria ] El compañero de investigación de Ashgate para la musicología popular describe folktronica como "un término general para todo tipo de artistas que han combinado ritmos de baile mecánicos con elementos de rock acústico o folk". [39]

El álbum de 1993 Cada hombre y cada mujer es una estrella by Ultramarine se acredita como un progenitor de la nueva música que presentaba un sonido pastoral e incorporaba instrumentos tradicionales como el violín y la armónica con elementos techno y house. [40] Según Enciclopedia de música moderna de The Sunday Times Culture, álbumes imprescindibles del género son Four Tet's Pausa (2001), de Tunng La hija de la madre y otras canciones (2005) y Caribou's La leche de la bondad humana (2005). [41]

Más actos de folk electrónico influenciados por "worldbeat" incluyen a Bryn Jones con su proyecto Muslimgauze (antes de su muerte en 1999), los artistas del movimiento underground asiático (Cheb i Sabbah, Asian Dub Foundation, Joi, State of Bengal, Transglobal Underground, Natacha Atlas) , Shpongle, Home Sweet Somewhere, Mavka (grupo ucraniano), Ott, Zavoloka, Linda George, Banco de Gaia, AeTopus, Zingaia, Afro-Celt Sound System, Métisse, A Tribe Called Red, primeros trabajos de Yat-Kha (con Ivan Sokolovsky [42]).

Gente del campo Editar

Gente del campo como etiqueta de género es bastante nebulosa, pero se ha utilizado a menudo al menos desde mediados de la década de 1970.Para los entusiastas dedicados, la categoría incluye en gran medida las obras de cantautores contemplativos posteriores a Dylan, que fueron influenciados por él y otros sonidos de country rock de finales de los sesenta y setenta, pero que, al grabar un poco más tarde, prefirieron un sonido más suave y más suave. Sonido de dominio acústico que permitía centrarse en la letra. El elemento significativo que distingue al "country folk" de la música "folk" en las grabaciones de los contemporáneos de Dylan en la década de 1960 fue la readmisión de la instrumentación de música country y bluegrass (mandolina, banjo, violín y guitarras resofónicas y de acero eléctricas) en la Mezclar el éxito del country rock con el público urbano había allanado el camino para este híbrido. Para los aficionados, ver el country folk como un subgénero del country es inexacto, ya que no está dirigido principalmente a una audiencia de música country.

Algunos de los artistas de folk country definitivos de los primeros años incluyen a John Prine, Kate Wolf y Nanci Griffith, todos cantautores con letras reflexivas cuyos arreglos están respaldados por los instrumentos antes mencionados. En la década de 1980, sellos discográficos como Rounder y Sugar Hill se especializaban en grabar artistas de folk country.

La categoría se superpone con las trayectorias post-country rock de otros artistas que se alejaron del mercado principal a medida que la propia fortuna del country rock decaía a fines de la década de 1970. Emmylou Harris se mudó al país neotradicionalista, Chris Hillman al bluegrass progresivo, al dúo de armonía de hermanos (con Herb Pedersen) y al renacimiento de Bakersfield. A principios de la década de 1990, estos sonidos, al igual que otros, inspirarían amalgamas musicales categorizadas como música country alternativa y americana, pero el "country folk" sigue utilizándose para los sonidos más suaves de cantantes como Iris DeMent y Gillian Welch.

Incluso durante la década de 1970, a medida que los sonidos acústicos de la música country temprana con inflexiones de country folk lo diferenciaban de otros estilos de música de cantautores posteriores a la década de 1960, tenía diversos grados de superposición con los sonidos de la música country progresiva (como Kris Kristofferson, Townes Van Zandt, Guy Clark), country fuera de la ley (Billy Joe Shaver, Waylon Jennings, Willie Nelson, Johnny Cash), bluegrass progresivo (álbumes de Tony Rice Cold on the Shoulder y Native American) y otras grabaciones con inflexiones de country rock ( De Tom Rush Tom Rush y Condado de Merrimack y el catálogo de los años 70 de Gordon Lightfoot y Jimmy Buffett). Sin embargo, ninguno de estos se comercializó o recibió específicamente como "gente del campo". Aún así, las grabaciones posteriores de bajo perfil y con inflexión del country dominante acústicamente realizadas por estos y muchos otros artistas anteriores a veces han sido definidas de manera vaga, pero no inexacta, como gente del campo por algunas fuentes.

Más recientemente, la mayoría de los artistas cuya música podría clasificarse como country folk encuentran su hogar en el género americano, incluidos Brandi Carlile, Jason Isbell, Parker Millsap, Patty Griffin y Amanda Shires, y varios artistas se describen indistintamente como folk y americana. artistas, sobre todo Sarah Jarosz, que ha recibido premios Grammy en ambas categorías de género.

En Europa, el término "folk" se usa solo para un género moderno especial (el folk tradicional se llama folklore o música nacional).

La música folclórica checa está influenciada por la música tradicional checa y los compositores, la música "pisando", así como por la música country en inglés y la música folk contemporánea, espiritual y tradicional, bluegrass, chanson, etc. En la segunda mitad del siglo XX, todos los géneros similares convivieron como un multigenre de protesta, en contraste con la música pop oficial, la música rock, etc. Desde 1967, el festival "Porta" se convirtió en el centro de este género, originalmente definido como un festival de country & amp western & amp tramping música. Las guitarras acústicas eran el instrumento más típico de todos ellos.


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Primeros años Editar

El resurgimiento del folklore en la ciudad de Nueva York se basó en el resurgimiento del interés por las danzas cuadradas y las danzas folclóricas allí en la década de 1940, como lo propugnaban instructores como Margot Mayo, lo que dio a músicos como Pete Seeger una exposición popular. [2] [3] [4] El resurgimiento del folk en general como fenómeno popular y comercial comienza con la carrera de The Weavers, formada en noviembre de 1948 por Pete Seeger, Lee Hays, Fred Hellerman y Ronnie Gilbert de People's Songs, de Seeger había sido presidente y secretario ejecutivo de Hays. People's Songs, que se disolvió en 1948-1949, había sido una cámara de compensación para las canciones del movimiento obrero (y en particular, el CIO, que en ese momento era uno de los pocos, si no el único sindicato que estaba integrado racialmente), y en 1948 había invertido todos sus recursos en la fallida campaña presidencial del candidato del Partido Progresista Henry Wallace, un aficionado a la música folclórica (su compañero de fórmula era un cantante y guitarrista de música country). Hays y Seeger habían cantado juntos anteriormente como los políticamente activistas Almanac Singers, un grupo que fundaron en 1941 y cuyo personal incluía a menudo a Woody Guthrie, Josh White, Lead Belly, Cisco Houston y Bess Lomax Hawes. The Weavers tuvo un gran éxito en 1950 con el sencillo "Goodnight, Irene" de Lead Belly. Este fue el número uno en las listas de Billboard durante trece semanas. [5] En su otro lado estaba "Tzena, Tzena, Tzena", una canción de baile israelí que al mismo tiempo alcanzó el número dos en las listas de éxitos. A esto le siguió una serie de sencillos de éxito de Weaver que vendieron millones, incluidos "So Long It's Been Good to Know You" ("Dusty Old Dust") (de Woody Guthrie) y "Kisses Sweeter Than Wine". La carrera de The Weavers terminó abruptamente cuando fueron eliminados del catálogo de Decca porque Pete Seeger había sido incluido en la publicación Red Channels como un probable subversivo. Las estaciones de radio se negaron a reproducir sus discos y las salas de conciertos cancelaron sus compromisos. Un ex empleado de People's Songs, Harvey Matusow, él mismo un ex miembro del Partido Comunista, había informado al FBI que los Tejedores también eran comunistas, aunque Matusow luego se retractó y admitió que había mentido. Pete Seeger y Lee Hays fueron llamados a testificar ante el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara en 1955. A pesar de esto , un concierto de reunión de Christmas Weaver organizado por Harold Leventhal en 1955 fue un gran éxito y el álbum Vanguard LP de ese concierto, publicado en 1957, fue uno de los más vendidos de ese año, seguido de otros s álbumes exitosos.

La música folclórica, que a menudo llevaba el estigma de las asociaciones de izquierda durante el Red Scare de la década de 1950, fue llevada a la clandestinidad y llevada por un puñado de artistas que publicaron discos. Prohibidos en los medios convencionales, artistas como Seeger estaban restringidos a actuar en escuelas y campamentos de verano, y la escena de la música folclórica se convirtió en un fenómeno asociado con la bohemia vagamente rebelde en lugares como Nueva York (especialmente Greenwich Village), North Beach y en la universidad. y distritos universitarios de ciudades como Chicago, Boston, Denver y otros lugares.

Ron Eyerman y Scott Baretta especulan que:

[Es] interesante considerar que si no hubiera sido por las simpatías políticas explícitas de los Tejedores y otros cantantes folclóricos o, de otra manera, el anticomunismo histérico de la Guerra Fría, la música folclórica probablemente habría entró en la cultura estadounidense dominante con una fuerza aún mayor a principios de la década de 1950, quizás haciendo que la segunda ola del avivamiento casi una década después [es decir, en la década de 1960] fuera redundante. [6]

El apagón mediático de los artistas intérpretes o ejecutantes con supuestas simpatías o vínculos comunistas fue tan efectivo que Israel Young, un cronista del Renacimiento Folklórico de los 60, y se involucró en el movimiento por su interés en la danza folclórica, le comunicó a Ron Eyerman que él mismo no lo sabía para muchos. años de los antecedentes del movimiento en la década de 1930 y principios de la de los 40 en el activismo político de izquierda. [7]

A principios y mediados de la década de 1950, las canciones folclóricas acompañadas de guitarras acústicas se escuchaban principalmente en cafeterías, fiestas privadas, conciertos al aire libre, cantos, hootenannies y conciertos en campus universitarios. A menudo asociada con la disidencia política, la música folclórica ahora se mezcla, hasta cierto punto, con la llamada escena beatnik y los cantantes dedicados de canciones populares (así como material original de influencia popular) viajaron a través de lo que se llamó "el circuito de las cafeterías". en los EE. UU. y Canadá, hogar también de jazz fresco y recitaciones de poesía beatnik muy personal. Dos cantantes de la década de 1950 que cantaron material folclórico pero pasaron a la corriente principal fueron Odetta y Harry Belafonte, quienes cantaron material de Lead Belly y Josh White. Odetta, que se había formado como cantante de ópera, interpretó blues tradicionales, espirituales y canciones de Lead Belly. Belafonte tuvo éxitos con material de calipso jamaicano, así como con la balada sentimental tipo canción folk "Scarlet Ribbons" (compuesta en 1949).

El avivamiento en su apogeo Editar

El Kingston Trio, un grupo originario de la costa oeste, se inspiró directamente en los Weavers en su estilo y presentación y cubrió parte del material de los Weavers, que era predominantemente tradicional. El Kingston Trio evitó las canciones abiertamente políticas o de protesta y cultivó una personalidad colegiada y limpia. Fueron descubiertos mientras tocaban en un club universitario llamado Cracked Pot por Frank Werber, quien se convirtió en su manager y les aseguró un trato con Capitol Records. Su primer éxito fue una interpretación pegadiza de una balada de asesinatos folclóricos de antaño, "Tom Dooley", que se había cantado en el concierto fúnebre de Lead Belly. Se convirtió en oro en 1958 y vendió más de tres millones de copias. El éxito del álbum y el sencillo le valió al Kingston Trio un premio Grammy a la Mejor Interpretación Country & amp Western en la ceremonia inaugural de los premios en 1959. En ese momento, no existía ninguna categoría de música folclórica en el esquema de los Grammy. El próximo año, en gran parte como resultado de El trío de Kingston álbum y "Tom Dooley", [8] la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación instituyó una categoría de folk y el Trío ganó el primer premio Grammy a la Mejor Grabación de Folklore Étnico o Tradicional por su segundo álbum de estudio En general. En un momento, The Kingston Trio tuvo cuatro discos al mismo tiempo entre los 10 álbumes más vendidos durante cinco semanas consecutivas en noviembre y diciembre de 1959 según Cartelera la lista de "Top LPs" de la revista, un récord sin igual en más de 50 años [9] [10] [11] [12] [13] [14] y señalado en ese momento por un artículo de portada en Vida revista. El enorme éxito comercial del Kingston Trio, cuyas grabaciones entre 1958 y 1961 obtuvieron más de $ 25 millones para Capitol Records [15] o alrededor de $ 220 millones en dólares de 2021, [16] generó una serie de grupos que eran similares en algunos aspectos como el Brothers Four, Peter, Paul and Mary, The Limeliters, The Chad Mitchell Trio, The New Christy Minstrels y más. Como señaló el crítico Bruce Eder en el Toda la guía musical, la popularidad de la versión comercializada de la música folclórica representada por estos grupos animó a las compañías discográficas a firmar, grabar y promover artistas con sensibilidades más tradicionalistas y políticas. [17]

A la popularidad del Kingston Trio le seguiría la de Joan Baez, cuyo álbum debut Joan Baez, alcanzó los diez primeros a finales de 1960 y permaneció en las listas de Billboard durante más de dos años. Los primeros álbumes de Baez contenían principalmente material tradicional como la balada escocesa "Mary Hamilton", así como muchas versiones de baladas melancólicas que habían aparecido en Harry Smith. Antología de la música folclórica estadounidense, como "The Wagoner's Lad" y "The Butcher Boy". Sin embargo, no trató de imitar el estilo de canto de su material original, sino que utilizó una soprano rica con vibrato. Su popularidad (y la del renacimiento popular en sí) colocaría a Báez en la portada de Tiempo revista en noviembre de 1962. Báez, a diferencia del Kingston Trio, era abiertamente política y, a medida que el movimiento por los derechos civiles cobraba fuerza, se alineó con Pete Seeger, Guthrie y otros. Ella era una de las cantantes, junto con Seeger, Josh White, Peter, Paul and Mary y Bob Dylan, quien apareció en la Marcha de Martin Luther King en 1963 en Washington y cantó "We Shall Overcome", una canción que había sido presentada por People's Songs. . Harry Belafonte también estuvo presente en esa ocasión, junto con Odetta, a quien Martin Luther King presentó como "la reina de la música folclórica", cuando cantó "Oh, Freedom" (Odetta canta canciones populares fue uno de los álbumes folclóricos más vendidos de 1963). También estuvieron presentes los SNCC Freedom Singers, cuyo personal pasó a formar Sweet Honey in the Rock.

El papel fundamental desempeñado por Freedom Songs en las campañas de registro de votantes, los paseos por la libertad y las sentadas en el mostrador del almuerzo durante el Movimiento por los Derechos Civiles de fines de la década de 1950 y principios de la de 1960 en el sur, le dio a la música folclórica una visibilidad y un prestigio tremendamente nuevos. [18] El movimiento por la paz también se vio impulsado por el surgimiento de la Campaña por el Desarme Nuclear en el Reino Unido, que protestaba por las pruebas británicas de la bomba H en 1958, así como por la carrera armamentista en constante proliferación y la cada vez más impopular Guerra de Vietnam. . El joven cantautor Bob Dylan, que tocaba la guitarra acústica y la armónica, había sido firmado y grabado para Columbia por el productor John Hammond en 1961. El disco de Dylan gozó de cierta popularidad entre los entusiastas de la música folclórica de Greenwich Village, pero fue "descubierto" por un inmensamente mayor. audiencia cuando un grupo de música pop-folk, Peter, Paul & amp Mary tuvo un éxito con una versión de su canción "Blowin 'in the Wind". Peter, Paul & amp Mary también llevaron "If I Had a Hammer" de Pete Seeger and the Weavers al público nacional, además de hacer versiones de canciones de otros artistas como Dylan y John Denver.

No pasó mucho tiempo antes de que la categoría de música folclórica incluyera material menos tradicional y creaciones más personales y poéticas de artistas individuales, que se autodenominaban "cantautores". Como resultado del éxito financiero de artistas populares comerciales de alto perfil, las compañías discográficas comenzaron a producir y distribuir discos de una nueva generación de cantautores y resurgimientos del folk: Phil Ochs, Tom Paxton, Eric von Schmidt, Buffy Sainte-Marie, Dave Van Ronk, Judy Collins, Tom Rush, Fred Neil, Gordon Lightfoot, Billy Ed Wheeler, John Denver, Arlo Guthrie, Harry Chapin, John Hartford y otros, entre ellos. Parte de esta ola había surgido de las tradiciones familiares de canto y juego, y otras no. Estos cantantes con frecuencia se enorgullecían de interpretar material tradicional imitando el estilo de los cantantes originales que habían descubierto, con frecuencia escuchando la célebre compilación en LP de Harry Smith de grabaciones comerciales olvidadas u oscuras de 78rpm "race" y "hillbilly" de los años veinte y veinte. Años 30, la Antología Folkways de la Música Folclórica Estadounidense (1951). Varios de los artistas que habían hecho estas viejas grabaciones estaban todavía muy vivos y habían sido "redescubiertos" y llevados a los festivales folclóricos de Newport de 1963 y 64. Uno de ellos, Clarence Ashley, por ejemplo, presentó a los revivalistas populares la música de amigos suyos que todavía tocaban activamente música tradicional, como Doc Watson y The Stanley Brothers.

Archiveros, coleccionistas y grabaciones reeditadas Editar

Durante la década de 1950, la creciente multitud de música folclórica que se había desarrollado en los Estados Unidos comenzó a comprar discos de músicos tradicionales más viejos de la región montañosa del sureste y de los barrios urbanos. Los principales sellos discográficos publicaron nuevas compilaciones de LP de grabaciones comerciales de estudio de carreras y hillbilly a 78 rpm que se remontan a las décadas de 1920 y 1930. El mercado en expansión de discos LP aumentó la disponibilidad de grabaciones de campo de la música folclórica originalmente hechas por John y Alan Lomax, Kenneth S. Goldstein y otros coleccionistas durante la era del New Deal de los años treinta y cuarenta. Los pequeños sellos discográficos, como Yazoo Records, crecieron para distribuir grabaciones antiguas reeditadas y para hacer nuevas grabaciones de los supervivientes entre estos artistas. Así fue como muchas audiencias estadounidenses blancas urbanas de las décadas de 1950 y 1960 escucharon por primera vez el country blues y especialmente el blues delta que había sido grabado por artistas folclóricos de Mississippi 30 o 40 años antes.

En 1952, Folkways Records lanzó el Antología de la música folclórica estadounidense, compilado por el antropólogo y cineasta experimental Harry Smith. los Antología contó con 84 canciones de artistas tradicionales de country y blues, grabadas inicialmente entre 1927 y 1932, y se le atribuyó el mérito de hacer accesible una gran cantidad de material de antes de la guerra a los músicos más jóvenes. (Los Antología fue reeditado en CD en 1997, y Smith recibió tardíamente un premio Grammy por su logro en 1991) [19].

Artistas como la familia Carter, Robert Johnson, Blind Lemon Jefferson, Clarence Ashley, Buell Kazee, el tío Dave Macon, Mississippi John Hurt y los Stanley Brothers, así como Jimmie Rodgers, el reverendo Gary Davis y Bill Monroe llegaron a tener algo más que una reputación regional o étnica. El avivamiento generó una enorme riqueza y diversidad de música y la difundió a través de programas de radio y tiendas de discos.

Representantes vivos de algunas de las variadas tradiciones regionales y étnicas, incluidos artistas más jóvenes como el cantante tradicional del sur Jean Ritchie, que había comenzado a grabar en la década de 1940, también disfrutaron de un resurgimiento de popularidad a través del creciente descubrimiento de esta música por parte de los entusiastas y aparecieron regularmente en festivales folclóricos.

Música folclórica étnica Editar

La música folclórica étnica de otros países también tuvo un auge durante el resurgimiento del folclore estadounidense. Los artistas étnicos más exitosos del avivamiento fueron los cantantes de folk de Greenwich Village, The Clancy Brothers y Tommy Makem, quienes Cartelera revista catalogada como el undécimo músico popular más vendido en los Estados Unidos. [20] El grupo, que estaba formado por Paddy Clancy, Tom Clancy, Liam Clancy y Tommy Makem, cantaba predominantemente canciones populares irlandesas en inglés, así como una canción ocasional en gaélico irlandés. Paddy Clancy también fundó y dirigió el sello de música folk Tradition Records, que produjo el primer LP en solitario de Odetta e inicialmente llevó a Carolyn Hester a la fama nacional. [21] Pete Seeger tocó el banjo en su álbum de 1961 nominado al Grammy, Una grabación de interpretación espontánea, [22] [23] y Bob Dylan luego citó al grupo como una gran influencia en él. [24] Los Clancy Brothers y Tommy Makem también provocaron un auge de la música folclórica en Irlanda a mediados de la década de 1960, ilustrando los efectos mundiales del resurgimiento de la música folclórica estadounidense. [25] [26] [27] [28] [29]

Libros como el popular best seller, el Libro de canciones populares junto a la chimenea (1947), que contribuyó al renacimiento de la canción popular, incluyó material en otros idiomas además del inglés, incluidos alemán, español, italiano, francés, yiddish y ruso.Los repertorios de Theodore Bikel, Marais y Miranda, y Martha Schlamme también incluyeron material hebreo y judío, así como afrikáans. El primer gran éxito de The Weavers, la otra cara de "Good Night Irene" de Lead Belly, y un éxito de ventas por derecho propio, estaba en hebreo ("Tzena, Tzena, Tzena") y ellos, y más tarde Joan Baez, que era de De ascendencia española, ocasionalmente incluyeron material en español en sus repertorios, así como canciones de África, India y otros lugares.

El resurgimiento de la música folclórica con orientación comercial, tal como existía en los cafés, las salas de conciertos, la radio y la televisión, fue predominantemente un fenómeno de habla inglesa, aunque muchos de los principales grupos de pop-folk, como Kingston Trio, Peter, Paul and Mary , The Chad Mitchell Trio, The Limeliters, The Brothers Four, The Highwaymen y otros, presentaron canciones en español (a menudo de México), idiomas polinesios, ruso, francés y otros idiomas en sus grabaciones y actuaciones. Estos grupos también cantaron muchas canciones en inglés de origen extranjero.

Rock subsume folk Editar

La invasión británica de mediados de la década de 1960 ayudó a poner fin a la popularidad generalizada de la música folclórica estadounidense cuando una ola de bandas británicas abrumaron a la mayor parte de la escena musical estadounidense, incluida la folk. Irónicamente, las raíces de la invasión británica estaban en el folk estadounidense, específicamente una variante conocida como skiffle como la popularizó Lonnie Donegan, sin embargo, la mayoría de las bandas de la invasión británica habían sido ampliamente influenciadas por el rock and roll cuando su música llegó a los Estados Unidos. y se parecía poco a sus orígenes populares.

Después de que Bob Dylan comenzara a grabar con una sección rítmica e instrumentos eléctricos en 1965 (ver Controversia de Electric Dylan), muchos otros artistas folclóricos aún jóvenes siguieron su ejemplo. Mientras tanto, bandas como The Lovin 'Spoonful y The Byrds, cuyos miembros individuales a menudo tenían experiencia en la escena de los cafés de revival folk, estaban obteniendo contratos de grabación con música con tintes folclóricos tocada con una formación de bandas de rock. En poco tiempo, el apetito del público por la música más acústica del renacimiento popular comenzó a menguar.

Los éxitos "crossover" ("canciones populares" que se convirtieron en elementos básicos de la escena de la música rock) sucedían de vez en cuando. Un ejemplo muy conocido es la canción "Hey Joe", propiedad del artista folk Billy Roberts, y grabada por el cantante y guitarrista de rock Jimi Hendrix justo cuando estaba a punto de irrumpir en el estrellato en 1967. El himno "Woodstock", que fue escrito y cantada por primera vez por Joni Mitchell cuando sus discos todavía eran casi completamente acústicos y aunque estaba etiquetada como "cantante de folk", se convirtió en un sencillo de éxito para Crosby, Stills, Nash & amp Young cuando el grupo grabó una versión rockera completa.

Edición heredada

A fines de la década de 1960, la escena había vuelto a ser más un fenómeno aficionado de bajo perfil, aunque se establecieron importantes festivales anuales de música acústica en muchas partes de América del Norte durante este período. La escena de los cafés con música acústica sobrevivió a una escala reducida. A través de los jóvenes cantautores de la década de 1960, el resurgimiento de la música folclórica estadounidense ha influido en la composición y los estilos musicales de todo el mundo.


Bob Shane, el último del trío original de Kingston, muere a los 85 años

El grupo encabezó un renacimiento popular comercialmente exitoso a fines de la década de 1950 y principios de la de 1960, con el Sr. Shane como cantante principal la mayor parte del tiempo.

Bob Shane, el último miembro original sobreviviente del Kingston Trio, cuyas armonías suaves y cercanas ayudaron a transformar la música folk de un género de nicho polvoriento en una marca dominante de música pop en las décadas de 1950 y 1960, murió el domingo en Phoenix. Tenía 85 años.

Craig Hankenson, su antiguo agente, confirmó la muerte en un centro de cuidados paliativos.

Shane, cuyo barítono de whisky era la voz más identificable del grupo en éxitos como "Tom Dooley" y "Scotch and Soda", cantó más del 80 por ciento de las canciones del Kingston Trio.

No solo sobrevivió a los otros miembros originales, Dave Guard, que murió en 1991, y Nick Reynolds, que murió en 2008, también finalmente tomó posesión del nombre del grupo y dedicó su vida a varias encarnaciones del trío, desde su fundación. de 1957 a 2004, cuando un infarto lo obligó a dejar de viajar.

En el camino, el trío encabezó una reinvención del folk como un fenómeno juvenil de los medios de comunicación en su apogeo, en 1959, el grupo colocó cuatro álbumes en el Top 10 al mismo tiempo. De gira hacia el siglo XXI, Kingston Trio siguió siendo una presencia nostálgica para sus fanáticos, lo que atrajo a muchos a su Trio Fantasy Camp anual en Scottsdale, Arizona.

Shane nació como Robert Castle Schoen el 1 de febrero de 1934 en Hilo, Hawaii, hijo de Arthur Castle Schoen y Margaret (Schaufelberger) Schoen. Su padre, cuyos antepasados ​​alemanes se habían establecido en Hawai en la década de 1890, era un exitoso distribuidor mayorista de juguetes y artículos deportivos. Su madre, de Salt Lake City, conoció a su futuro esposo cuando ambos eran estudiantes en la Universidad de Stanford en la década de 1920.

En Hilo, el padre del Sr. Shane había planeado que Bob se hiciera cargo del negocio familiar. Pero en la escuela privada Punahou School en Honolulu, Bob aprendió el ukelele y las canciones de las islas polinesias y conoció a Mr. Guard, con quien formó un dúo.

Después de la secundaria, el Sr. Shane, el Sr. Reynolds y el Sr. Guard ocasionalmente jugaban juntos mientras asistían a la universidad en el norte de California: el Sr. Shane y el Sr. Reynolds en Menlo College, y el Sr. Guard cerca de Stanford.

Después de graduarse en 1956, Shane regresó a Hawái para aprender el negocio familiar, pero se sintió más atraído por la música. Como él lo contó, actuó como "el primer imitador de Elvis" y contó con la música hawaiana, Hank Williams, Harry Belafonte y los Weavers entre sus influencias.

Un año más tarde, cuando el Sr. Guard y el Sr. Reynolds decidieron hacer una carrera musical profesional, el Sr. Shane se unió a ellos y regresó a California, donde nació Kingston Trio, en 1957. El nombre, una referencia a Kingston , Jamaica, estaba destinado a evocar la música calipso, que era popular entonces. Los miembros exudaban un estilo colegial juvenil y de corte limpio, ejemplificado por su estilo característico: coloridas camisas Oxford con rayas verticales.

Un año después de eso, el primer álbum del trío, en Capitol Records, incluía una versión alegre de una balada basada en el asesinato en 1866 de una mujer de Carolina del Norte y el ahorcamiento de un pobre ex soldado confederado por el crimen. La canción, "Tom Dooley", subió al número uno en las listas de singles, vendiendo tres millones de copias y ganando al trío un premio Grammy a la mejor interpretación country y occidental. (No había una categoría Grammy para folk en ese momento).

Desde su fundación hasta 1965, el grupo tuvo 14 álbumes en el Top 10 de Billboard, cinco de los cuales alcanzaron el número 1. Inspiró a decenas de imitadores y, durante un tiempo, fue probablemente el grupo de música más popular del mundo. John Stewart reemplazó al Sr. Guard en 1961. (El Sr. Stewart murió en 2008).

La recepción crítica del Kingston Trio no coincidió con su éxito popular. Para muchos puristas del folk, el trío vendía una mezcla diluida de folk y pop que comercializaba la auténtica música folclórica de innumerables recolectores apalaches desconocidos. Y conscientes de la forma en que músicos populares como Pete Seeger habían sido incluidos en la lista negra durante la era McCarthy, otros se quejaron de que el estilo popular y anodino del trío traicionaba la música populista y de izquierda de pioneros como Woody Guthrie y Cisco Houston.

Los miembros del trío dijeron que conscientemente se habían mantenido alejados del material político como una forma de mantener la aceptación generalizada. Además, dijo Shane, los puristas populares estaban usando la vara de medir equivocada.

“Para empezar, llamar a los cantantes de folk de Kingston Trio fue un poco estúpido”, dijo. "Nunca nos llamamos cantantes de folk". Añadió: "Hicimos material orientado al folk, pero lo hicimos en medio de todo tipo de otras cosas".

De hecho, algunos de los mejores momentos de Shane, como la balada llena de humo a la hora del cóctel "Scotch and Soda", no tenían nada que ver con la música folk. En 1961, Ervin Drake escribió "Fue un año muy bueno" para el Sr. Shane. La cantó con el trío mucho antes de que Frank Sinatra la convirtiera en una de sus grabaciones clásicas.

Aún así, más que ningún otro grupo de su época, el Kingston Trio capturó el optimismo juvenil de los años de Kennedy. La canción principal de un álbum de 1962 fue "The New Frontier", haciéndose eco de la frase del propio presidente John F. Kennedy y aludiendo a su discurso inaugural con la letra "Deja que la palabra salga a partir de este día / Ha nacido una nueva generación".

Casi al mismo tiempo, el trío tuvo un éxito inesperado con el tipo de material que había evitado: la canción pacifista del Sr. Seeger "Where Have All the Flowers Gone?"

Pero para entonces el trío estaba a punto de ser suplantado como rostro del folk por una nueva generación de cantantes más duros como Bob Dylan, Phil Ochs y Joan Baez, y por otros más modernos como Peter, Paul y Mary. Luego, la llegada de la invasión británica y el auge del rock marginaron por completo al grupo.

Con el tiempo, otros, incluidos Dylan y Baez, le han dado más crédito al grupo por popularizar la música folclórica y por servir de puente hacia el folk, el folk-rock y el rock más aventureros de la década de 1960.

Como escribió la Sra. Báez en sus memorias “Y una voz con la que cantar” (1987): “Antes de convertirme en una snob y aprender a menospreciar toda la música popular comercial como bastarda y profana, me encantaba el Kingston Trio. Cuando me convertí en uno de los principales practicantes de la 'gente pura', todavía los amaba ".

Los admiradores de Shane dijeron que sus talentos nunca fueron plenamente reconocidos.

"Bob Shane fue, en mi opinión, uno de los cantantes más subestimados en la historia musical estadounidense", dijo George Grove, miembro del trío desde 1976, en un correo electrónico en 2015. "Su voz era la voz, no solo del Kingston Trio sino de una era de narración musical ".

El grupo se disolvió en 1967, pero después de un breve período como solista, el Sr. Shane regresó, primero con lo que se anunció como el New Kingston Trio, luego con varias alineaciones de Kingston Trio.

El Sr. Shane, incluso para los estándares saludables del grupo, se destacó y fue catalogado, medio en serio, como el símbolo sexual del trío. A lo largo de los años, su cabello pasó de ser un chico de fraternidad limpio a una melena nevada, pero se mantuvo congénitamente optimista, como un jugador acostumbrado a dibujar manos ganadoras.

Después de jubilarse, Shane vivió en Phoenix en una casa llena de discos de oro y recuerdos de Kingston Trio. Aficionado a los autos y motos de cross, también coleccionó guitarras y arte de Martin.

Le sobreviven su esposa, Bobbi (Childress) Shane, cinco hijos de un matrimonio anterior, con Louise Brandon: Jody Shane Beale, Susan Shane Gleeson, Inman Brandon Shane, Robin Castle Shane y Jason McCall Shane y ocho nietos.

"Lo que más me enorgullece junto a mis hijos es que he tocado en vivo para más de 10,000,000 de personas", dijo en el sitio web del grupo.

Incluso después de su jubilación, todavía encontró formas de desempeñarse.

“De vez en cuando, alguien me llama y me pide que suba al escenario, empaco un par de tanques de oxígeno y me voy”, dijo en una entrevista en 2011. “Siempre le digo a la gente que tengo la intención de vivir para siempre. Hasta aquí todo bien."


Dave Van Ronk

Dave Van Ronk fue una de las figuras más importantes de la escena de la música folclórica de Greenwich Village de la década de 1960. Fue un activista y compositor, un marino mercante y ex miembro de un cuarteto de barberías. Pero fue su participación en la escena lo que lo puso literalmente en el mapa, hay una calle en el West Village de Nueva York que lleva su nombre.


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En 1866, Laura Foster fue asesinada. El veterano confederado Tom Dula, amante de Foster y padre de su hijo por nacer, fue condenado por su asesinato y ahorcado el 1 de mayo de 1868. Foster había sido apuñalada con un cuchillo grande y la brutalidad del ataque explicaba en parte la publicidad generalizada. del asesinato y posterior juicio recibido.

Anne Foster Melton, prima de Laura, había sido amante de Dula desde que tenía doce años y hasta que se fue a la Guerra Civil, incluso después de que Anne se casara con un hombre mayor llamado James Melton. Cuando Dula regresó, volvió a ser amante de Anne, luego de Laura y luego de su prima Pauline Foster. Los comentarios de Pauline llevaron al descubrimiento del cuerpo de Laura y acusaciones contra Tom y Anne. Posteriormente, Anne fue absuelta en un juicio separado, basándose en la palabra de Dula de que no tenía nada que ver con el asesinato. [7] La ​​enigmática declaración de Dula en la horca de que no había dañado a Foster pero que aún merecía su castigo llevó a la prensa a especular que Melton era el verdadero asesino y que Dula simplemente la cubrió. (Melton, que una vez había expresado celos por los supuestos planes de Dula de casarse con Foster, murió en un accidente de carreta o volviéndose loco unos años después del homicidio, según la versión. [ cita necesaria ] )

Gracias al esfuerzo de periódicos como Los New York Times y al hecho de que el ex gobernador de Carolina del Norte Zebulon Vance representó a Dula pro bono, El juicio por asesinato y el ahorcamiento de Dula recibieron una amplia publicidad nacional. Un poeta local, Thomas C. Land, escribió una canción popular sobre la tragedia de Dula poco después de que Dula fuera ahorcado titulada "Tom Dooley". En combinación con la amplia publicidad que recibió el juicio, la canción de Land consolidó aún más el lugar de Dula en la leyenda de Carolina del Norte [2] [3] que todavía se canta en toda Carolina del Norte. [ cita necesaria ]

Un hombre llamado "Grayson", mencionado en la canción como fundamental en la caída de Dula, a veces se ha caracterizado como un rival romántico de Dula o un sheriff vengativo que lo capturó y presidió su ejecución. Algunas letras variantes de la canción retratan a Grayson bajo esa luz, y la introducción hablada a la versión Kingston Trio [6] hizo lo mismo. El coronel James Grayson era en realidad un político de Tennessee que había contratado a Dula en su granja cuando el joven huyó de Carolina del Norte bajo sospecha y estaba usando un nombre falso. Grayson ayudó a los habitantes de Carolina del Norte a capturar a Dula y estuvo involucrado en devolverlo a Carolina del Norte, pero por lo demás no jugó ningún papel en el caso. [ cita necesaria ]

Dula fue juzgado en Statesville porque se creía que no podría obtener un juicio justo en el condado de Wilkes. Se le dio un nuevo juicio en apelación, pero nuevamente fue condenado y ahorcado el 1 de mayo de 1868. En la horca, Dula habría dicho: "Caballeros, ¿ven esta mano? No le hice daño a un cabello de la cabeza de la niña. " [ cita necesaria ]

El apellido de Dula se pronunciaba "Dooley", lo que generó cierta confusión en la ortografía a lo largo de los años. La pronunciación de una "a" final como "y" [ aclaración necesaria ] es una característica antigua en el habla de los Apalaches, como en el término "Grand Ole Opry". [ cita necesaria ] La confusión se vio agravada por el hecho de que el Dr. Tom Dooley, un médico estadounidense conocido por su trabajo humanitario internacional, estaba en el apogeo de su fama en 1958 cuando la versión Kingston Trio se convirtió en un gran éxito. [ cita necesaria ]

Se han grabado muchas versiones de la canción, en particular:

  • En 1929, G. B. Grayson y Henry Whitter hicieron la primera versión grabada de la canción de Land por un grupo muy conocido en ese momento, para Victor. [8] [9] [10] [11], Elektra, 1952. Warner, un folclorista que no conocía la grabación de 1929, en 1940 tomó la canción de Frank Proffitt y se la pasó a Alan Lomax, quien la publicó en Canción folclórica: EE. UU.. [12]
  • El 30 de marzo de 1953, la serie de radio CBS Suspenso transmitió un drama de media hora de "Tom Dooley" basado libremente en la canción, que fue cantada durante el programa por el actor Harry Dean Stanton. Si bien no se emitió como una grabación comercial, los discos de transcripción de la transmisión finalmente fueron digitalizados y distribuidos por antiguos coleccionistas de radio. [13] [se necesita una mejor fuente]
  • El Folksay Trio, que contó con Erik Darling, Bob Carey y Roger Sprung, publicó la primera versión posterior a 1950 de la canción para American Folksay-Ballads and Dances, vol. 2 en el sello Stinson en 1953. Su versión fue notable por incluir una pausa en la línea "Cuelga la cabeza Tom. Dooley". El grupo se reformó en 1956 como The Tarriers, con Darling, Carey y Alan Arkin, y lanzó otra versión de "Tom Dooley" para Los Tarriers en la etiqueta Glory en 1957. [14]
    grabó la versión más popular de la canción en 1958 para Capitol. Esta grabación vendió más de seis millones de copias, superando a los EE. UU. Cartelera Hot 100, y a menudo se le atribuye el inicio del "boom de la música folk" de finales de los años cincuenta y sesenta. [6] Solo tenía tres versos (y el estribillo cuatro veces). Esta grabación de la canción ha sido incluida en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso [15] y ha sido honrada con un premio Grammy Hall of Fame. [16] La Fundación Grammy la nombró una de las Canciones del Siglo. [8] y Crazy Horse grabaron una versión de ocho minutos en su álbum de 2012. Americana, en la que cambiaron el título de la canción con la ortografía adecuada "Tom Dula" y la pronunciaron de tal manera que la convirtieron en una declaración política contra el ex líder de la mayoría republicana en la Cámara, Tom DeLay. [cita necesaria]

Otros artistas que han grabado versiones de la canción incluyen a Paul Clayton, Line Renaud, Bing Crosby, Jack Narz, Steve Earle y Grateful Dead.

Parodias Editar

"Tom Dooley" provocó una serie de parodias, ya sea como parte de otras canciones o como canciones completas. Por ejemplo:

    usó esta canción y Worried Man Blues para burlarse de The Kingston Trio en su canción Más dinero para ti y para mí. suelta una línea alterada de la canción en una grabación de "Rudolph the Red-Nosed Reindeer"
  • The Incredible Bongo Band grabó la canción "Hang Down Your Head Tom Dooley, Your Tie's Caught In Your Zipper" (1972). hicieron una versión de su álbum "The Songs and Comedy of the Smothers Brothers! Grabado en Purple Onion, San Francisco", donde hicieron referencia a la demanda contra The Kingston Trio alegando que Dickie Smothers lo había escrito y que The Kingston Trio lo había robado . usó esta canción para burlarse de Tom Daschle en su álbum de 2003 Entre Irak y un lugar difícil[17]

Para Capitol Records Edición de 45 rpm # F4049 de The Kingston Trio [18]

Gráfico (1958) Cima
posición
Tabla de singles australianos 1
Tabla de singles canadienses 1
Tabla de singles noruegos 1
Tabla de solteros italianos 1
Gráficos de Sudáfrica 8
Lista de singles del Reino Unido 5
nosotros Cartelera Hot 100 [19] 1
NOSOTROS. Cartelera Lados calientes de R&A [20] 9

Gráficos de todos los tiempos Editar

El tercer y último verso de la canción de Stonewall Jackson, Waterloo, de 1958, hacía referencia a Tom Dooley con la letra "Ahora se balancea donde canta el pajarito, y ahí es donde Tom Dooley conoció a su Waterloo".

El éxito de Kingston Trio inspiró la película, La leyenda de Tom Dooley (1959), protagonizada por Michael Landon, coprotagonizada por Richard Rust. Un western ambientado después de la Guerra Civil, no se trataba de las leyendas tradicionales de Tom Dula o los hechos del caso, sino de un tratamiento ficticio adaptado a la letra de la canción.

"Tom Dooley" es el nombre de un episodio de la quinta temporada de Ally McBeal, en el que John Cage canta una versión de la canción con su banda mexicana.

La canción fue parodiada en el episodio No. 702 de Mystery Science Theatre 3000. Crow T. Robot, motivado por el parecido de un actor con Thomas Dewey, cantó una versión que comenzaba "Cuelga tu cabeza, Tom Dewey."

Se cierra la versión de Glada Barn de la canción de Land Rectificar temporada 2 episodio "Mazel Tov". [22]

En la película de 1980 Viernes 13, los campistas en la escena de apertura comienzan a cantar la canción. La escena de apertura está ambientada en 1958, el año en que debutó la versión Kingston Trio de la canción.


Ver el vídeo: The Kingston Trio - Across the Wide Missouri


Comentarios:

  1. Syman

    Creo que no tienes razón. Lo sugiero para discutir.

  2. Riddock

    para quemar

  3. Khaldun

    Bueno, bueno ... habrá que echar un vistazo más de cerca a esta zona :)

  4. Chase

    La pregunta es interesante, yo también participaré en la discusión. Sé que juntos podemos llegar a una respuesta correcta.

  5. Rhys

    Lo entiendo bien. Puedo ayudar con la decisión de la pregunta.



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